Archiwum koncertów

 


22 września i 15 grudnia 2017 – Hania Rani piano solo

Muzykę Hani Rani można określić gatunkiem modern classic, który wyraża się poprzez nowe podejście do klasycznie znanych formuł muzycznych oraz zastosowań akustycznego instrumentarium.

Kompozycje na fortepian solo zrodziły się z fascynacji artystki tym instrumentem oraz chęci zinterpretowania na własny sposób jego możliwości dźwiękowych i harmonicznych. W ten sposób powstał cykl utworów, o zróżnicowanym charakterze i brzmieniu, za pomocą których artystka próbuje zobrazować swobodną przestrzeń i czas, nawiązując tym samym do miejsc, specjalnie istotnych dla jej sposobu rozumienia muzyki: Bieszczad i Islandii.

Program:

1. Eden
2. Warszawa
3. Luka
4. Glass
5. Rurka z kremem
6. Simple words
7. Sun
8. Waltz
9. Esja
10. Hawaii Oslo

Hanna Raniszewska (Hania Rani) – pianistka, kompozytorka, aranżerka, mieszkająca między Warszawą a Berlinem. Jako pianistka jest laureatką konkursów ogólnopolskich i międzynarodowych, występowała na takich scenach koncertowych jak Filharmonia Narodowa czy Teatr Wielki w Warszawie ale również na festiwalach Open'er czy Slot Art oraz poza granicami m.in. w Niemczech, Finlandii, Szwecji, Islandii, Włoszech czy Litwie. Do jej najświeższych osiągnięć należy wyróżnienie specjalne na Międzynarodowym Festiwalu Filmu, Muzyki i Idei ʺTransatlantykʺ w Łodzi oraz zwycięstwo w konkursie Firestone Headliners of Tomorrow . Od 4 lat tworzy własną muzykę, stawiając sobie za cel przekraczanie granic podziału na gatunki i style. Od 2012 współtworzy duet z wiolonczelistką Dobrawą Czocher. Owocem tej współpracy jest album ʺbiała flagaʺ wydany we wrześniu 2015 roku, który zdążył znaleźć się na liście Olis - 50 najlepiej sprzedających się płyt w Polsce. Płyta rekomendują tak wybitni artyści jak Włodek Pawlik czy Justyna Steczkowska. Na koniec 2017 planowana jest premiera jej pierwszej, solowej płyty.

http://haniarani.com
https://soundcloud.com/haniarani
https://www.facebook.com/haniaraniofficial
https://www.youtube.com/hannaranna
https://www.instagram.com/haniarani


17 i 24 listopada, 1 grudnia 2017 – Yuko Kawai - preludia Chopina

Zimę z przełomu 1838 na 1839 r. Fryderyk Chopin spędził na Majorce. W podróż zabrał ze sobą nuty Das wohltemperierte Klavier Jana Sebastiana Bacha. Każdy tom wspomnianego dzieła zawiera 24 preludia i dokładnie tyle znalazło się  w Preludiach op. 28 polskiego kompozytora. W ten symboliczny sposób Chopin nawiązał do Bacha, uznanego za „słońce kompozytorów”, którego muzyka jest czystą mową dźwięków. Czy preludia Chopina rzeczywiście orbitują w muzycznym systemie słonecznym? A może wyłamują się z jego tradycji? Odpowiedzi na te pytania udzieli sama muzyka, w wykonaniu Yuko Kawai. Zapraszamy na kolejny Koncert pod Gwiazdami.

Yuko Kawai – jako pierwsza zaprezentowała światowe prawykonanie Koncertów fortepianowych e-moll i f-moll Chopina w wersji na fortepian solo według Wydania Narodowego. Od 2001 r. kontynuuje historyczny projekt “Chopinissimo”, będący serią recitali wszyskich dzieł Chopina w oparciu o Wydanie Narodowe.

„Śmiało można uznać, że liryzm przenikający jej pełną śpiewności grę godny jest Lipattiego”
– The Art of Records, 2008


20 i 27 października, 3 listopada 2017 – Andrzej Karałow i Pablo Sanchez-Escariche Gasch

Niebo zapisane jest geometrycznymi znakami tworzonymi przez układy ciał niebieskich. Człowiek od wieków nadaje im znaczenie. Czy kryje się w nich jakieś przesłanie? Jeśli tak - jak je odczytać? To samo pytanie dotyczy muzyki, pełnej geometrycznych proporcji. Gwiazdy i nuty kryją w sobie nieosiągalną tajemnicę, na temat której możemy snuć jedynie niesprawdzalne hipotezy. Nadchodzący Koncert pod Gwiazdami będzie próbą jej odkrycia. Historie obecne w kompozycjach Paula Hindemitha oraz Williama Albrighta opowiedziane zostaną głosem saksofonu z towarzyszeniem fortepianu. Wykonany będzie również utwór Geometria Nocy, autorstwa jednego z instrumentalistów. Czy zgodzimy się z jego wyobrażeniem nocy?

Program:
1. Paul Hindemith - Sonata altówkowa op. 11 nr 4 (wersja na saksofon altowy) (1919)
I. Fantasia
II. Thema mit Variationen
III. Finale (mit variationen)
2. Andrzej Karałow - Geometria Nocy (2014) na saksofon i fortepian
3. William Albright - Sonata na saksofon altowy i fortepian (1984)
I. Two-Part Invention
II. La follia nuova: a lament for George Cacioppo
III. Scherzo: “Will o’ the wisp”
IV. Recitative and Dance

Andrzej Karałow urodził się w 1991 r. Od roku 2016 wykłada na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina w Warszawie na Wydziale Kompozycji, Dyrygentury i Teorii Muzyki oraz realizuje studia doktoranckie z kompozycji pod kierunkiem prof. Stanisława Moryto. W 2010 roku ukończył Szkołę Muzyczną im. Karola Szymanowskiego w Warszawie pod kierunkiem prof. Bronisławy Kawalli i Joanny Świtlik. W 2016 roku ukończył studia magisterskie z wyróżnieniem w klasie prof. Stanisława Moryto oraz w 2015 roku, również z wyróżnieniem, studia magisterskie w klasie fortepianu prof. Bronisławy Kawalla na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina w Warszawie. W roku 2017 został otrzymał wyróżnienie Magna Cum Laude macierzystej uczelni. Andrzej Karałow jest laureatem wielu ogólnopolskich i międzynarodowych konkursów pianistycznych (w Paryżu, Atenach, Warszawie, Toruniu) jak również międzynarodowych i ogólnopolskich konkursów kompozytorskich (między innymi w Katowicach, Warszawie, Poznaniu, Miskolcu na Węgrzech). Jego utwory wydane zostały przez takie wytwórnie jak Ablaze Records (Australia-USA), DUX, Requiem Records. Jako pianista koncertuje w prestiżowych salach w kraju i za granicą oraz występuje z towarzyszeniem renomowanych orkiestr symfonicznych, takich jak Sinfonia Varsovia, czy Orkiestra Filharmonii Narodowej, pod dyrekcją m. in. Ewy Strusińskiej, Jakuba Chrenowicza, Macieja Niesiołowskiego.
Swoje umiejętności interpretacyjne kształcił na mistrzowskich kursach pianistycznych w Oxfordzie, Bergen, Imoli, Lipsku, Dusznikach-Zdroju pod kierunkiem takich profesorów, jak M. Vosskresensky, B. Petrushansky, A. Vardi, G. Graffman, P. Gililov.
Warsztat kompozytorski rozwijał na VIPA Festival w Walencji, Synthetis w Radziejowicach, Impuls Festival w Grazu, podczas Letniej Akademii Muzycznej w Nicei oraz w Warszawie podczas klas mistrzowskich pod kierunkiem kompozytorów: B. Furrera, Z. Krauzego, S. Gervasoniego, D. Ammanna, P. Pattersona, Chena Yi.
Andrzej Karałow jest również stypendystą Ministra Nauki i Szkolnictwa Wyższego, Stowarzyszenia Pro Polonia oraz Rektora UMFC. W 2014 roku otrzymał Nagrodę Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, a 2015 roku otrzymał stypendium „Młoda Polska”.
Od 2013 roku jest członkiem Koła Młodych Związku Kompozytorów Polskich, a w roku 2015 został współzałożycielem fundacji Ensemblage promującej najnowszą muzykę oraz wykonawców.
Strony internetowe: www.andrzejkaralow.pl
www.soundcloud.com/akaralow
www.youtube.com/AKmusic91

Pablo Sánchez-Escariche Gasch urodzony w Sewilii (Hiszpania). Jest absolwentem tamtejszego Conservatorio Superior de Música Manuel Castillo w klasie saksofonu Alfonso Padilli. Następnie swoje umiejętności doskonalił pod kierunkiem Vicenta Davida w konserwatorium w Wersalu. Zdobył tytuł magistra w klasie saksofonu dra Pawła Gusnara, prof. UMFC. Obecnie jest asystentem dra Pawła Gusnara w tejże klasie saksofonu. Pablo Sánchez to także laureat wielu konkursów. Zdobył m.in. III nagrodę w Międzynarodowym Konkursie Saksofonowym im. Adolphe’a Sax’a w L’Haÿ-les-Roses (Francja), II lokatę w konkursie organizowanym w ramach Ogólnopolskiego Festiwalu Saksofonowego New Art Sax we Wrocławiu, I nagrodę w Konkursie Muzyki XX i XXI Wieku dla Młodych Wykonawców w Radziejowicach oraz I miejsce w 3. Międzynarodowym Konkursie Saksofonowym SaxFest w Łodzi. Artysta wykonuje zarówno muzykę klasyczną, jak i współczesną. Występował do tej pory podczas licznych festiwali w Europie (Hiszpania, Francja, Holandia, Polska). Współpracował również z najlepszymi polskimi orkiestrami: Orkiestrą Polskiego Radia i orkiestrą Sinfonia Varsovia. W czerwcu 2016 r. wystąpił jako solista z Orkiestrą Filharmonii Narodowej podczas koncertu dyplomatów Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina. W październiku 2017 roku wystąpi jako solista z Orquesta Sinfónica de Navarra w Hiszpanii, na specjalne zaproszenie dyrektora orkiestry Antoniego Wita. Saksofonista w wielu kursach mistrzowskich prowadzonych przez takich pedagogów, jak: Jean Denis Michat, Arno Bornkamp, Claude Delangle, Christian Wirth, Lars Mlekusch czy JeanYves Fourmeau.


29 września, 6 i 13 października 2017 – Propius Astra

Program kolejnego Koncertu pod gwiazdami zbudowany został na dwóch biegunach: muzyki dawnej i współczesnej. Mimo wyraźnej opozycji czasowej i stylistycznej „gwiazdą polarną” twórców obu epok niezmiennie była ekspresja, chęć przekazania dźwiękami muzyki tego, czego nie sposób zwerbalizować. W programie znajdują się utwory klawesynowe autorstwa Marcina Tadeusza Łukaszewskiego i Tomasza Kamieniaka dedykowane Aleksandrze Gajeckiej-Antosiewicz. W trakcie koncertu swoje prawykonanie będzie miał utwór Gwiazdozbiory Północnego Nieba powstały z inspiracji konstelacjami Północnego Nieba, które, przeniesione na pięciolinię, stały się muzycznymi tematami. Ścieżkę elektroniczną na taśmie, według wyobrażenia pyłu kosmicznego, stworzył Wojciech Błażejczyk. 

Nad nami niebo pełne gwiazd, w swej odległości nieosiągalne. Do zbliżenia potrzeba nam techniki - od lunety i teleskopu począwszy. Czasami jednak wystarczy moment olśnienia, wiązka światła, a może także dźwięk?
 

Aleksandra Gajecka–Antosiewcz – Gwiazdozbiory Północnego Nieba na fortepian i taśmę (prawykonanie)
Tomasz Kamieniak – Preludium ze Suity op. 37 bis
Jan Sebastian Bach – Aria i wariacje nr 1-5 z Wariacji Goldbergowskich BWV 988
Tomasz Kamieniak – Sarabanda ze Suity op. 37 bis
Marian Sawa – Rapsod Wolfgang Amadeusz Mozart – Andante cantabile con espressione z Sonaty a-moll KV 300
Marcin Tadeusz Łukaszewski – Etiudy koncertowe nr 5 i 6
Bronisław Kazimierz Przybylski – Les Tournesols hommage à Vincent van Gogh François Couperin – Les Sentiments

Aleksandra Gajecka-Antosiewicz – fortepian
Wojciech Błażejczyk – autor warstwy elektronicznej

Aleksandra Gajecka-Antosiewicz – klawesynistka i pianistka, absolwentka Akademii Muzycznej im. G. i K. Bacewiczów w Łodzi w klasie prof. Ewy Piaseckiej (1999) i w klasie prof. Marka Drewnowskiego (2000) oraz studiów mistrzowskich na Uniwersytecie Mozarteum w Salzburgu (2001-2003) pod kierunkiem wybitnej klawesynistki prof. Elżbiety Chojnackiej, która uznała A. Gajecką-Antosiewicz za swoją następczynię. W latach 2011-2014 odbyła studia doktoranckie w Akademii Muzycznej w Łodzi zwieńczone obroną pierwszej w Polsce pracy doktorskiej dotyczącej wykonawstwa współczesnej muzyki klawesynowej (temat rozprawy: „Aspekty techniczno-wyrazowe w wybranych utworach klawesynowych współczesnych kompozytorów polskich”, promotor prof. Ewa Piasecka) oraz uzyskaniem stopnia doktora sztuk muzycznych (2015).
Była stypendystką międzynarodowych szkół i festiwali w Niemczech, Norwegii i Wielkiej Brytanii. Swoją grę doskonaliła pracując z takimi artystami jak: Elżbieta Stefańska, Leszek Kędracki, Czesław Stańczyk, Colin Tilney, Mark Kroll i Ketil Haugsand. Laureatka nagrody specjalnej V Międzynarodowego Festiwalu Pianistycznego im. J. Hofmanna i I. J. Paderewskiego w Nałęczowie (cykl koncertów we Francji) oraz nagrody za osiągnięcia w dziedzinie twórczości artystycznej, upowszechniania i ochrony kultury przyznanej przez Burmistrza Miasta Tarnowskie Góry (2013).


18, 25 sierpnia 2017 – Hania Rani i Dobrawa Czocher

Duet Hani Rani (fortepian) i Dobrawy Czocher (wiolonczela) to doskonały dowód na to, że muzyka instrumentalna ma rację bytu na współczesnej scenie muzycznej i gromadzi wokół siebie co raz szerszy krąg słuchaczy. Gatunek, który tworzą dziewczyny można określić jako co raz prężniej rozwijający się gatunek "modern classic" reprezentowany przez takich artystów jak np. Nils Frahm, Olafur Arnalds, czy Max Richter. Duet powstał w sierpniu 2012 roku lecz właściwy debiut miał miejsce we wrześniu 2015 roku, kiedy to dziewczyny zdecydowały się wydać pierwszą płytę. Inspiracją dla albumu "Biała flaga" była postać Grzegorza Ciechowskiego. Duet podjął się stworzenia nowych aranżacji 10 najsłynniejszymi piosenek artysty, jednak w sposób zupełnie inny niż dotychczas – korzystając tylko z dwóch instrumentów - wiolonczeli i fortepianu. Ta idea, połączona z niebanalnym językiem muzycznym i innowacyjnymi pomysłami stała się z pewnością powodem dla tak entuzjastycznego przyjęcia ich debiutanckiej płyty. Na krążku nie zabrakło rownież własnych kompozycji, które doskonale splatają poszczególne aranżacje, tworząc razem jedną całość. Premiera albumu miała miejsce w jednym z najpopularniejszych obecnie scen koncertowych Warszawy – w klubie Miłość. "Biała flaga" została wyróżniona przez sklepy Empik mianem "Debiut Empiku", a już w pierwszym tygodniu sprzedaży znalazła się na liście Olis (lista 50 najlepiej sprzedających się płyt w Polsce). Duet wystąpił również podczas Europejskich Targów Muzycznych Gazety Wyborczej "Co jest grane" oraz gościł w odbiornikach takich stacji radiowych jak m.in. Trójka, Czwórka, Radio Kampus czy Radio Gdańsk. To, co jednak najbardziej wyróżnia ten projekt muzyczny, to koncerty. Artystki mają doskonałe przygotowanie techniczne oraz ogromne doświadczenie sceniczne – występując od lat w salach koncertowych na terenie całej Polski jak i za granicą. Tylko z tym projektem zdążyły już zagrać w takich miejscach jak m.in. Poznań(Blue Note), Warszawa (Miłość), Toruń (Dwór Artusa), Bydgoszcz, Szczecin (13 Muz), Gdańsk (B90) czy Opole (Filharmonia Opolska). Muzyka, którą proponują dziewczyny to przede wszystkim duża dawka emocji oraz brak granic stylistycznych. Pomimo klasycznego wykształcenia, duet nie zamyka się na inne gatunki, przemycając rożne style muzyczne do swoich kompozycji. Ta uniwersalność oraz szczerość, jaka przemawia przez ich interpretacje, zyskuje wielbicieli w najróżniejszym wieku, o rożnych preferencjach muzycznych.

W programie:

Interludium / Scream
Biała flaga
Odchodząc
Telefony
Obcy Astronom
Nie pokonasz miłości
Tak Tak to ja
Republika marzeń
Chwile

Recenzje:

Ta płyta to wspaniałe muzyczne działo pod każdym względem. Dzięki niej na nowo można rozsmakować się doskonałej harmonii piosenek Grzegorza Ciechowskiego. Hania Rani i Dobrawa Czocher wykonują je z wyjątkowym muzycznym wyczuciem , jednocześnie nadając im własny charakter. Wielki gratulacje dziewczyny!”
Justyna Steczkowska

Jak to się dzieje, że słyszę te interpretacje po raz pierwszy?..Za późno!
Brawo, brawo, to piękne i intrygujące! Ukazuje czystą moc muzyki Ciechowskiego, jedną z jej wielu, wielu twarzy.."

Mela Koteluk

Znam Hanię Raniszewską z czasów, gdy uczęszczała na moje zajęcia z improwizacji na Uniwersytecie Muzycznym w Warszawie.Pamiętam jej naturalne predyspozycje do improwizacji, a także inklinacje kompozytorskie.Stąd też nie zdziwiłem się , że poszła własną artystyczną drogą , której muzycznym uwieńczeniem są te nagrania.
Słuchając ich mam wrażenie obcowania z muzyką szlachetną w brzmieniu, tworzącą aurę intymności . Jej
malarskość i prostota , wywodząca się z ducha muzyki Erika Satiego - cytat z jego Gymnopedie No.1" słyszymy w pięknej transkrypcji i wykonaniu utworu Grzegorza Ciechowskiego Nie pokonasz miłości – jest dowodem na to , że można połączyć wyrafinowaną estetykę z komunikatywnością przekazu. Gratuluję
Włodek Pawlik

„Piosenki Republiki i Grzegorza Ciechowskiego na fortepian i wiolonczelę? Czemu nie. Szczególnie, gdy jest to tak dobrze zagrane. W wykonaniu Hanny i Dobrawy te kompozycje nabierają nowego smaku, a jednocześnie stają się kanwą do poszukiwań i improwizacji. Grają je z wyczuciem, ale nie zapominają o oryginalnych wykonaniach. Pokazują, że muzyka nie zna granic, a także to, że Ciechowski i Republika osiągnęli wymiar klasyki polskiej muzyki“
Leszek Gnoiński

Hanna Raniszewska (Hania Rani) – rocznik 90, pianistka, kompozytorka, aranżerka, mieszkająca miedzy Warszawą a Berlinem. Jako pianistka jest laureatką konkursów ogólnopolskich i miedzynarodowych - do jej najświeższych osiągnięć należy m.in. wyróżnienie specjalne na Międzynarodowym Festiwalu Filmu, Muzyki i Idei "Transatlantyk" w Łodzi(2016). Występowała na takich scenach koncertowych jak Filharmonia Narodowa czy Teatr Wielki w Warszawie oraz poza granicami m.in. w Niemczech,Finlandii, Islandii, Szwecji, Włoszech czy Litwie. Hanna została wyróżniona m.in. stypendium Morningside Music Bridge (Kanada) czy Deutschlandstipendium (Niemcy), jest również członkiem Akademii Operowej przy Operze Narodowej w Warszawie. Od 4 lat tworzy rownież własną muzykę, stawiając sobie za cel przekraczanie granic podziału na gatunki i style. Od tego czasu powstało wiele jej projektów, m.in. nowe aranżacje pieśni Henry Purcell'a na głos i fortepian, Projekt:Dowland na kwartet smyczkowy, sopran i kontratenora, aranżacje na płyty zespołów Domowe melodie i Bemine czy muzyka do spektaklu "Dialog lustra", który wystawiony był m.in. w Warszawskiej Operze Kameralnej. Od 2012 współtworzy duet z wiolonczelistką Dobrawą Czocher. Owocem tej współpracy jest album "biała flaga" wydany we wrześniu 2015 roku, który zdążył znaleść się na liście Olis - 50 najlepiej sprzedających się płyt w Polsce. Płyta rekomendują tak wybitni artyści jak Włodek Pawlik czy Justyna Steczkowska.

Dobrawa Czocher – rocznik 91, wiolonczelistka. Grę na wiolonczeli rozpoczęła w wieku 7 lat. Laueatkach licznych konkursów solowych oraz kameralnych. Doskonale odnajduje się również jako muzyk orkiestrowy. Wielokrotnie występowała w Polsce jak i za granicą (m.in Francja, Łotwa, Grecja, Liban). Związana z Uniwersytetem Muzycznym Fryderyka Chopina oraz Hochschule für Musik Detmold, gdzie od października tego roku udoskonala swoje umiejętności w klasie prof. Alexandra Geberta. Brała udział w licznych kursach oraz festiwalach muzycznych pracując oraz grając z wybitnymi artystami, m.in takimi jak Paul Gulda, Kevin Kenner, Arto Noras, Kazimierz Michalik. Była stypendystka Krajowego Funduszu Na Rzecz Dzieci. Od sierpnia 2012 roku tworzy projekt z pianistką Hanną Raniszewską, w którym łączy swoje umiejętności muzyka klasycznego z fasynacją muzyką rozrywkową. We wrześniu tego roku duet wydał swą debiutancką płytę "Biała flaga", która znalazła wielu entuzjastów.

Facebook: https://www.facebook.com/haniaranidobrawa
YouTube: https://www.youtube.com/hannaranna
SoundCloud: https://soundcloud.com/haniarani
Wytwórnia: MyMusic - http://my-music.pl
Muzyka:
- Chwile >>
- Tak tak to ja >>


28 lipca, 4 i 11 sierpnia 2017 – Cztery pory kosmosu

W trakcie kolejnego Koncertu pod Gwiazdami będziemy mogli przysłuchać się wszystkim czterem porom roku, do tego w podwójnym muzycznym opisie – Antonio Vivaldiego oraz skrzypka Gustawa Ciężarka. Nikomu nie trzeba przypominać, jak brzmią i jak bardzo popularne są Cztery pory roku Vivaldiego. W ich towarzystwie usłyszymy autorskie kompozycje polskiego skrzypka, zainspirowane zmieniającą się przyrodą. Koncert na dobre wprowadzi nas w lato. W drugiej części usłyszymy nawet burzę, ale po niej z pewnością wróci słońce.

Program:
One Violin Band - Jesienny Wodospad
A. Vivaldi - Cztery pory roku: Jesień cz. 3
One Violin Band - Winter central square
A. Vivaldi - Cztery pory roku: Zima cz. 2
One Violin Band - Przedwiośnie
A. Vivaldi - Cztery pory roku: Wiosna cz. 1
One Violin Band - Spring birds with Lena
One Violin Band - Spacer do lata
A. Vivaldi - Cztery pory roku: Lato cz. 3 

Gustaw Ciężarek jest absolwentem Akademii Muzycznej im. Fryderyka Chopina w Warszawie w klasie prof. Konstantego Andrzeja Kulki, prof. Mirosława Ławrynowicza, prof. Romana Lasockiego i dr Andrzeja Gębskiego. Ukończył staż artystyczny na kierunku kameralistyka w klasie prof. Krystyny Makowskiej-Ławrynowicz na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina. Wielokrotnie uczestniczył w Mistrzowskich Kursach Muzycznych w Łańcucie, Zakopanem i Fromborku doskonaląc swoje umiejętności u takich mistrzów jak Marina Yashvili, Wolfgang Marschner, Roland Baldini, Robert Szreder, Helen Brunner. Dwukrotnie otrzymał stypendium na udział w Mistrzowskich Kursach Muzycznych w Goch (Niemcy). W maju 2009 został laureatem Grand Prix w konkursie Zapomniana muzyka polska organizowanego przez wydawnictwo muzyczne Acte Prealable. W 2008 został laureatem II miejsca, oraz otrzymał nagrodę specjalną za najlepsze wykonanie utworu kompozytora holenderskiego na XII Międzynarodowym Konkursie Współczesnej Muzyki Kameralnej w Krakowie. Jest laureatem makroregionalnych przesłuchań skrzypcowych w Poznaniu i ogólnopolskich przesłuchań skrzypcowych w Elblągu. Koncertował jako solista z orkiestrą Filharmonii Szczecińskiej, Opery na Zamku, Filharmonii Kameralnej im. Witolda Lutosławskiego w Łomży, Polsko-Niemiecką Orkiestrą Młodzieżową Pomerania, wykonując koncerty skrzypcowe Czajkowskiego, Wieniawskiego, Mendelsohna, Vivaldiego, Bacha. W roku 2011 wraz z pianistką Soyeon Lim nagrał debiutancką płytę ze wszystkimi utworami kameralnymi Władysława Żeleńskiego wydaną w wydawnictwie Acte Prealable. Jest stypendystą Prezydenta Miasta Szczecina oraz Towarzystwa Przyjaciół Szczecina. W roku 2013 otworzył muzyczny kanał One Violin Band na portalu YouTube, gdzie promuje muzykę skrzypcową. 

Soyeon Lim – ukończyła Gimcheon High School of Arts w klasie prof. Myeong Hee Lee. Jest absolwentką klasy prof. Yeon Jung Kim i klasy prof. Andrzeja Dutkiewicza w Keimyeong University of Music w Korei oraz klasy prof. Jerzego Sterczyńskiego w Akademii Muzycznej im. Fryderyka Chopina w Warszawie. Laureatka Grand Prix VI edycji Konkursu Zapomniana Muzyka Polska organizowanego przez wydawnictwo Acte Prealable oraz II nagrody i nagrody specjalnej za najlepsze wykonanie utworu kompozytora holenderskiego na XII Międzynarodowym Konkursie Współczesnej Muzyki Kameralnej w Krakowie (2008). W wieku 16 lat wystąpiła jako solistka, wykonując V Koncert Fortepianowy Ludwika van Beethovena z towarzyszeniem orkiestry Gimcheon High School of Arts. W roku 2005 koncertowała w ramach wschodnio-azjatyckiego festiwalu muzyki współczesnej Dong Asia Hyundae Eumak Je. Współpracuje z Operą na Zamku w Szczecinie, z Filharmonią Narodową, Teatrem Nowym w Łodzi oraz organizatorami Międzynarodowych Kursów Muzycznych w Łańcucie. Od 2014 jest wykładowcą na Uniwersytecie Keimyung w Deagu.

* * * * * * * *
Opis koncertu przygotowała dla nas p. Aleksandra Gruda studentka muzykologii Uniwersytetu Warszawskiego, której zainteresowania związane są z etnomuzykologią, psychologią muzyki oraz archeomuzykologii. Współpracowała z Polskim Radio RDC przy realizacji programów Mnie się to podoba i Niedzielny Poranek.


9 czerwca, 7, 14 i 21 lipca, 1 września 2017 – Kosmiczne pory roku

Ruch kuli ziemskiej wokół Słońca skutkuje zmianą pór roku – przejawem upływu czasu i jego cykliczności. Motyw ten jest tak silnie wrośnięty w ludzką świadomość, że odbija się niejednokrotnie w sztuce. Za sprawą pianisty Aruto Matsumoto usłyszymy, jak pory roku brzmią w muzycznej wyobraźni kompozytorów różnych epok. Prócz kompozycji własnych, artysta zagra dla nas m. in. napisane przez Piotra Ilicza Czajkowskiego trzy części z cyklu 12 miniatur fortepianowych, opisujących poszczególne miesiące. Nie zabraknie też najsłynniejszych muzycznych Pór Roku Antonio Viavaldiego. Podczas Koncertu pod Gwiazdami dojdzie wówczas do głosu Zima. Dźwiękom towarzyszyć będzie wizualizacja nieba, najpiękniejsza mapa zmieniającego się czasu.

W programie:

Claude Debussy:
Claire de lune
Preludium - Ślady na śniegu
Maurice Ravel:
Pavane pour une infante defunte
Antonio Vivaldi:
Zima II część
Piotr Czajkowski:
Kwiecień - Pierwiosnek,
Czerwiec - Barkarola,
Październik - Pieśń jesienna,
Grudzień - Gody
Maricin Tadeusz Łukaszewski: Le Quattro Stagioni - quattro etudes per pianoforte, część I L'Inverno
Aruto Matsumoto:
Taki z Lato
Nokturn

Aruto Matsumoto – urodził się w Warszawie, dzieciństwo spędził w Japonii, na fortepianie gra od 4 roku życia. Jest absolwentem Uniwersytetu Muzycznego F. Chopina w klasie fortepianu prof. Anny Jastrzębskiej-Quinn oraz kompozycji na tej samej uczelni w klasie prof. Zbigniewa Bagińskiego. Obecnie studiuje prowadzenie zespołów muzycznych i management muzyczny. Zdobył nagrody na: Międzyuczelnianym Konkursie Kompozytorskim za utwór pt. Echoes na 2 akordeony i za utwór Muzyka dla 7 wykonawców. Jako pianista występował m.in. w Expo Aichi w Osace, Studiu Koncertowym Polskiego Radia w Warszawie, w Muzeum Chopina w Warszawie, Centrum Manggha w Krakowie. Napisał około 30 utworów; oprócz muzyki instrumentalnej tworzy także utwory z użyciem live electronics, a także muzykę do filmów krótkometrażowych np. filmu przyrodniczego „Z kamerą wśród śmieci”. Występuje również ze swoim bratem Keiji w performansie podczas którego gra na fortepianie do malowanego w trakcie przedstawienia obrazu. Jego muzyka związana jest z muzyką japońską oraz muzyką filmową. Niektóre kompozycje można posłuchać na Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCeJlKxlJqj9vmjj9LXrkkAQ


16, 23 i 30 czerwca 2017 – Kosmiczne impresje

Muzyka często naśladuje odgłosy, które znamy z otoczenia. Jej możliwości są ogromne – od śpiewu ptaków i gwałtownych burz, po armatnie wystrzały. Kompozytor dobiera wówczas muzyczne środki tak, by odbiorca mógł przysłuchiwać się dosłownej, dźwiękowej „fotografii”. A jak w muzyce oddać tak subtelne doznania jak migoczące światło gwiazd, ruch morskich fal czy plamy słońca na wodzie? Na to pytanie próbowała odpowiedzieć muzyka impresjonistów. Ich kompozycje nie miały naśladować, a chwytać ulotne wrażenia. Czasem muzycy ukrywali je w formach walca czy sonatiny, czasem zaś nadawali utworom tytuły, które sugerowały pewien obraz słuchaczowi. W wykonaniu Katarzyny Mróz w trakcie Koncertu pod gwiazdami usłyszymy fortepianowe kompozycje Maurycego Ravela. Czy w częściach jego „Zwierciadeł” odkryjemy odbicia „Smutnych ptaków” lub „Łodzi na oceanie”? Czy usłyszymy „Poranną pieśń”? O tym przekonamy się już niedługo.

Program:

Maurice Ravel

Sonatine
1. Modéré
2. Mouvement de menuet
3. Animé

Valses nobles et sentimentales:
1. Modéré – très franc
2. Assez lent – avec une expression intense
3. Modéré
4. Assez animé
5. Presque lent – dans un sentiment intime
6. Assez vif
7. Moins vif
8. Epilogue: lent

Miroirs (Zwierciadła):
cz. II Oiseaux tristes (Smutne ptaki)
cz. III Une barque sur l'océan (Łódź na oceanie)
cz. V La vallée des cloches (Dolina dzwonów)

Katarzyna Mróz – absolwentka Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie w klasie fortepianu prof. Alicji Palety-Bugaj i dr Agnieszki Przemyk-Bryły oraz dr Konrada Skolarskiego, a także w klasie kameralistyki fortepianowej prof. Katarzyny Jankowskiej -Borzykowskiej. Absolwentka Podyplomowego Międzywydziałowego Studium Pieśni na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina w Warszawie. Laureatka konkursów pianistycznych m.in: Międzynarodowego Konkursu Pianistycznego im. Jana Sebastiana Bacha w Gorzowie Wielkopolskim (III nagroda, 2006), Forum Młodych Instrumentalistów w Rybniku (III nagroda, 2006), Nałęczowskiego Konkursu Pianistycznego (III nagroda, 2011). Finalistka Międzynarodowego Konkursu Pianistycznego w Huesca, Hiszpania (2015). Od 2013 roku regularnie występuje w Salonie Chopina w Warszawie jako solistka, jak również w duetach z wokalistami. Latem 2016 zorganizowała recitale pianistyczne i warsztaty umuzykalniające dla dzieci w ramach praskiego festiwalu „Otwarta Ząbkowska”. Koncertowała także w Niemczech, Czechach, Hiszpanii, Włoszech i Szwajcarii. Swoje umiejętności pianistyczne doskonaliła na kursach pianistycznych w Polsce i w Niemczech.


2 czerwca 2017 – Kwartet na koniec czasu

Kwartet w składzie Mercedes Borguńska (skrzypce), Mateusz Rajkowski (klarnet), Zuzanna Filipek (wiolonczela) oraz Aruto Matsumoto (fortepian) wykona dla nas jedną z najważniejszych kompozycji XX wieku – Kwartet na koniec czasu Oliviera Messiaena. Utwór ten ma niezwykłą historię. Został skomponowany w trakcie pobytu kompozytora w obozie jenieckim Stalag VIII-A w Görlitz (dzisiejszy Zgorzelec). Prawykonania wysłuchali więźniowie i strażnicy obozowi. Messiaen nawiązuje w muzycznej treści Kwartetu do Apokalipsy św. Jana – w swoich ośmiu częściach opowiada on wizję końca świata. Wszystko zaczyna się o poranku, w chwili, gdy zaczynają śpiewać ptaki. Na ziemię zstępuje Anioł, a one z żalem przyjmują "koniec czasu". Każda część kompozycji ma swój indywidualny rys – podkreślony obsadą i strukturą treści muzycznej. Pełen piękna i smutku Kwartet na koniec czasu zabrzmi podczas Koncertu pod Gwiazdami. Pozostaje jedynie pytanie, jak współczesna wyda nam się jego treść.

Program:
Olivier Messiaen - Kwartet na koniec czasu (Quartour pour la fin du temps)
I. Liturgie de cristal
II. Vocalise, pour l'Arge qui annonce la fin du Temps
III. Abîme des oiseaux
IV. Intermède
V. Louange à l'Éternité de Jésus
VI. Danse de la fureur, pour les sept trompettes
VII. Fouillis d'arcs-en-ciel, pour l'Ange qui annonce la fin du Temps
VIII. Louange à l'Immortalité de Jésus

Aruto Matsumoto – urodził się w Warszawie, dzieciństwo spędził w Japonii, na fortepianie gra od 4 roku życia. Jest absolwentem Uniwersytetu Muzycznego F. Chopina w klasie fortepianu prof. Anny Jastrzębskiej-Quinn oraz kompozycji na tej samej uczelni w klasie prof. Zbigniewa Bagińskiego. Obecnie studiuje prowadzenie zespołów muzycznych i management muzyczny. Zdobył nagrody na: Międzyuczelnianym Konkursie Kompozytorskim za utwór pt. Echoes na 2 akordeony i za utwór Muzyka dla 7 wykonawców. Jako pianista występował m.in. w Expo Aichi w Osace, Studiu Koncertowym Polskiego Radia w Warszawie, w Muzeum Chopina w Warszawie, Centrum Manggha w Krakowie. Napisał około 30 utworów; oprócz muzyki instrumentalnej tworzy także utwory z użyciem live electronics, a także muzykę do filmów krótkometrażowych np. filmu przyrodniczego „Z kamerą wśród śmieci”. Występuje również ze swoim bratem Keiji w performansie podczas którego gra na fortepianie do malowanego w trakcie przedstawienia obrazu. Jego muzyka związana jest z muzyką japońską oraz muzyką filmową. Niektóre kompozycje można posłuchać na Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCeJlKxlJqj9vmjj9LXrkkAQ

Mateusz Rajkowski – absolwent Uniwersytetu Muzycznego F. Chopina w klasie ad. dra hab. Romualda Gołębiowskiego. Stały współpracownik Płockiej Orkiestry Symfonicznej. Laureat wyróżnień na XVI Akademickim Konkursie Klarnetowym we Włoszakowicach i III Ogólnopolskim Konkursie Klarnetowym we Wrocławiu, aktywny kameralista i wykonawca muzyki współczesnej (występował m.in. na festiwalach Warszawska Jesień, Brand New Music, Rewolucja cyfrowa, FuturOpera i Musica Moderna, bierze również udział w projekcie AnimaMusic – muzyka na żywo do filmów animowanych), specjalizuje się także w grze na klarnecie basowym. Uczestnik kursów prowadzonych m.in. przez Shirley Brill, Nicholasa Coxa, Elizabeth Crawford, Florenta Héau, Sharon Kam, Michela Lethieca, Paula Meyera, Davida Minettiego, Bence'a Szepesiego, Gábora Vargę i Stephena Williamsona.

Zuzanna Filipek – studentka wiolonczeli Uniwersytetu Muzycznego F. Chopina w klasie prof. Tomasza Strahla oraz Rafała Kwiatkowskiego. W latach 2014-2015 pełniła funkcję koncertmistrza w orkiestrze kameralnej UMFC utworzonej na potrzeby festiwalu w Rheinsbergu (W.A. Mozart Don Giovanni, Cosi fan tutte). Od 2016 roku jest muzyki em międzynarodowej orkiestry Baltic Sea Philharmonic pod dyrekcją Kristjana Jarviego, wystąpiła z nią m.in. w sali koncertowej Teatru Maryjskiego w St. Petersburgu czy Filharmonii Narodowej w Helsinkach. Doskonaliła swoje umiejętności podczas kursów mistrzowskich prowadzonych przez Kazimierza Michalika, Romana Jabłońskiego, Reinharda Latzko, Alexandra Geberta, Denisa Severina, Aleksandra Neustoeva, Daniela Pezzottiego.

Mercedes Borguńska – skrzypaczka, solistka, kameralistka, laureatka konkursów ogólnopolskich i pedagog a od niedawna również studentka rzeźby na Warszawskiej ASP. Ukończyła UMFC w Warszawie, studiowała też na AM w Poznaniu i w Codarts w Rotterdamie u wybitnych skrzypków: Janusza Kucharskiego, Jadwigi Kaliszewskiej i Gordana Nikolica. Została zakwalifikowana do udziału w Międzynarodowym Konkursie im. Henryka Wieniawskiego w Poznaniu (2011) w preselekcjach prowadzonych przez Maxima Vengerova.
Wzięła udział w międzynarodowym projekcie europejskim EUPlay Przez muzykę do zjednoczonej Europy. Prowadziła klasy skrzypiec w szkołach państwowych i prywatnych w Warszawie i w Londynie. Jest pierwszą skrzypaczką kwartetu Ester, który powstał z połączenia kwartetów Esmus i Razumowski. Prowadzi autorskie warsztaty muzyczne z elementami plastyki.


5, 12, 19 i 26 maja 2017 – Burzliwe noce nokturnów

Program kolejnego Koncertu Pod Gwiazdami składać się będzie z dwóch muzycznych sił – nokturnu i toccaty. Nazwę pierwszego z nich można tłumaczyć po prostu – jako „nocny”. Trudno o muzykę bardziej odpowiadającą melancholii i sennemu rozmarzeniu, w które wprowadza nas noc. Dla równowagi nieco więcej dynamizmu, a nawet niejedną burzę wśród gwiazd przynieść mogą ewolucyjne toccaty, dążące w swojej istocie do ciągłego rozwoju muzycznego toku. Czy tak się stanie – przekonamy się dopiero w trakcie koncertu, bowiem pianista Marcin Tadeusz Łukaszewski wybrał, prócz utworów kompozytorów XIX i XX wieku, niewykonywane dotąd kompozycje młodych twórców.

Program:

Piotr Gryska – Toccata (2015)
Fryderyk Chopin – Nokturn b-moll op. 9 nr 1
Stanisław Moniuszko – Nokturn As-dur
Ignacy Jan Paderewski – Nokturn B-dur op. 14
Aleksandra Włodarczyk – Nokturn. Hommage à Chopin (2017)
Jakub Szafrański – Toccata Hoffata (2017) prawykonanie
Aleksander Jan Szopa – Nokturn II (2017)
Arthur Guzik – Nokturn c-moll „Noc i Dzień” (2017)
Tomasz Kamieniak – Le Soir. Nocturne op. 65 (2016) prawykonanie
Paweł Chmielnicki – Notturno (2016) prawykonanie
Paweł Chmielnicki – Toccata (2017) prawykonanie

Marcin Tadeusz Łukaszewski – urodzony w 1972 roku w Częstochowie pianista, kompozytor i teoretyk muzyki. Od wielu lat związany z Uniwersytetem Muzycznym im. Fryderyka Chopina w Warszawie: absolwent klasy fortepianu prof. Bronisławy Kawalli, prof. Jana Ekiera i prof. UMFC Edwarda Wolanina oraz studiów podyplomowych w zakresie wykonawstwa muzyki współczesnej, teorii muzyki oraz kompozycji. W 2005 roku uzyskał stopień doktora nauk humanistycznych, a w 2014 roku stopień doktora habilitowanego sztuki muzycznej w dyscyplinie kompozycja i teoria muzyki. Prowadzi działalność dydaktyczną w swojej macierzystej uczelni, będąc jednocześnie aktywnie występującym solistą i kameralistą. Specjalizuje się w wykonawstwie muzyki fortepianowej twórców polskich XX i XXI wieku. Laureat licznych konkursów kompozytorskich, autor szeregu publikacji o tematyce muzycznej i nagrań płytowych poświęconych twórczości kompozytorów polskich, m.in. Franciszka Lessla, Piotra Perkowskiego i Mariana Sawy.


28 kwietnia 2017 – Somos estrellas

Gwiazdy i krążące wokół nich planety formują się z pyłu kosmicznego złożonego z materii pozostałej po wybuchach gwiazd wcześniej żyjących. Atomy, które budują nasz Układ Słoneczny, planety i wszystko co się na nich znajduje – także i nasze ciała – tworzyły kiedyś jakąś gwiazdę. Można więc śmiało powiedzieć, że wszyscy składamy się z gwiezdnego pyłu. Świadomi tego faktu zapraszamy do udziału w koncercie „Somos estrellas – jesteśmy gwiazdami” w wykonaniu pianisty Claudio Recabarren Madrida – gwiezdnego muzyka, którego specjalnością są występy pod kopułami planetariów całego świata.

Program:

Fith Dimension
Far From Orion
Pucara
Mystery Ly Emerges
Tranvia Del Espacio
Hamontun
Arcturus

Claudio Recabarren Madrid – Pianista. Organista. Kompozytor. Jego kariera muzyczna trwa już kilka dziesięcioleci. W dzieciństwie jego edukacją muzyczną zajmował się ojciec, Moises, genialny pianista odnoszący sukcesy w latach 50. XX w. Następnie Claudio uczył się sam, a także prywatnie u Rene Reyesa, nauczyciela z Narodowego Konserwatorium Muzycznego na Uniwersytecie w Chile. Swoją muzyką Madrid łączy kontynenty, przekracza bariery językowe i dociera ludzi na całym świecie.
Pełen oddania dla muzyki i swoich fanów, Madrid podróżuje po Azji, Ameryce Północnej i Łacińskiej, a także Europie, dając występy na jeziorach, wzgórzach, szczytach gór, pustyniach, w dolmenach, muzeach i obserwatoriach astronmicznych... grając na pianinie pod gwiazdami.


17, 24 i 31 marca 2017 – Działania na zbiorze nut

Koncert „Działania na zbiorze nut” to finezyjne połączenie muzyki i matematyki. Matematyka jest narzędziem wykorzystywanym przez artystów od setek lat. Słynnym przykładem była Musikalisches Würfelspiel, gra wymyślona przez Mozarta służąca do komponowania utworów na podstawie rzutu kośćmi.

Podczas koncertu pod gwiazdami będziemy eksplorować zarówno matematykę w muzyce, jak też w wizualizacjach. W trakcie koncertu wyświetlimy na kopule Nieba Kopernika obrazy stworzone przez Lecha Nowickiego dzięki jego autorskiej metodzie wizualizacji nierówności. Drugą ciekawostką matematyczną będą przeloty po trójwymiarowych fraktalach, tworzących monumentalne i tajemnicze struktury, które będziemy eksplorować. Oczywiście w Planetarium nie zabraknie również przelotów na żywo po kosmosie.

Utwory na koncert wykona Jakub Sokołowski który również przygotował repertuar, w którym matematyka odgrywa decydującą rolę. Usłyszymy:
* Pierre Boulez - 12 Notations- utwór w pełni wykorzystujący technikę serialną – zbudowany jest z dwunastu miniatur o budowie dwunasto-taktowej i dwusnasto-dźwiękowej serii.
* Szabolc Esztenyi - Enigma - utwór, w którym na żywo jest tworzona muzyka posiadająca centrum tonalne i wokół którego rozchodzą i pojawiają się nowe centra, tworzone według matematycznego klucza.
* Jan Sebastian Bach - Kunst Der Fuge - Contrapunctus I- jedno tematowa fuga wykorzystująca ruch symetryczny głosów w ruchu prostym i w inwersji.
* Bella bartok - Mikrokosmos I - utwór napisany do celów dydaktycznych dzieci i młodzieży, ukazujący zjawisko symetrii tonalnej i atonalnej
* Morton Feldman - Piano piece 1952 - miniatura opierająca się na abstrakcyjnym odczuwaniu dźwięków, które jest przeciwstawione poczuciu symetrii.

Kuba Sokołowski – pianista, absolwent Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie w klasie prof. Elżbiety Tarnawskiej. Od 2009 roku prowadzi autorski zespół Magnolia Acoustic Quartet (MAQ) , z którym nagrał dwie koncertowe płyty dla polskiej wytwórni For Tune Records. Do jego głównych obszarów zainteresowań należą muzyka współczesna i jazzowa. Jest laureatem nagrody Telewizji Polskiej dla młodych talentów „DOLINA KREATYWNA” w kategorii muzyka. Wraz z kwartetem MAQ zdobył II nagrodę na międzynarodowym konkursie młodych zespołów jazzowych „JAZZ JUNIORS” w Krakowie oraz I nagrodę Europejskich Integracji Muzycznych w Żyrardowie z rąk Włodka Pawlika. Jego zespół znalazł się również w finale Międzynarodowego Konkursu Jazz nad Odrą. Kuba Sokołowski współpracował i nagrywał dla Juliusza Machulskiego i Kordiana Piwowarskiego. W 2014 roku jako jedyny Polak wziął udział w prestiżowym kursie muzycznym w brooklyńskim konserwatorium School for Improvisational Music w Nowym Jorku, podczas którego, wraz z piętnastoma innymi uczestnikami z całego świata, pracował pod okiem takich wybitnych muzyków, jak Ralph Alessi, Tim Berne i Gerald Cleaver. Obecnie pracuje jako wykładowca i akompaniator na Wydziale Dyrygentury Chóralnej, Edukacji Muzycznej, Muzyki Kościelnej, Rytmiki i Tańca Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina.


24 lutego, 3 i 10 marca 2017 – Na cztery ręce

Maurycy Ravel często przenosi słuchacza swoich kompozycji do świata dziecięcej wyobraźni. Pomysły na poszczególne części Suity „Moja matka gęś” pojawiły się podobno dzięki staremu zbiorowi baśni. W trakcie kolejnego Koncertu pod Gwiazdami zespół Ravel Piano Duo zabierze nas w krainę, w której nadal można spotkać Śpiącą Królewnę czy Tomcia Palucha. Z surrealistycznych marzeń wrócimy na ziemię za sprawą transkrypcji utworów Jana Sebastiana Bacha, autorstwa węgierskiego kompozytora György Kurtága oraz „Sonatiny na 4 ręce”, którą skomponował Roman Palester (znany choćby ze swojej muzyki filmowej, np. do powojennego obrazu „Zakazane piosenki”).

Program:
Jan Sebastian Bach /György Kurtág – transkrypcje:
„Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit” BWV 106
„Aus tiefer Not schrei’ ich zu dir” BWV 687
„O Lamm Gottes, unschuldig” BWV DEEST
„Allein Gott in der Höh’ sei Ehr” BWV 711

Maurycy Ravel - Suita „Ma mére l’oye” (Moja matka gęś)
I Pavane de la Belle au bois dormant (Śpiąca królewna)
II Petit Poucet (Tomcio Paluch)
III Laideronette – Impératrice des Pagodes (Brzydulka - cesarzowa Pagód)
IV Les entretiens de la Belle et de la Bête (Rozmowy Pięknej i Bestii)
V Le jardin féerique (Czarodziejski Ogród)

Roman Palester – Sonatina na 4 ręce
I Allegro giusto
II Andante con moto e molto espressivo
III Allegro vivace

RAVEL PIANO DUO – Agnieszka Kozło i Katarzyna Ewa Sokołowska
Jeden z czołowych polskich duetów fortepianowych. Kształcił się pod kierunkiem prof. Mai Nosowskiej w Akademii Muzycznej im. Fryderyka Chopina w War­szawie oraz w klasie mistrzowskiej duetu Hansa-Petera Stenzl i Volkera Stenzl w Hochschule für Musik und The­ater Rostock, gdzie w 2005 r. uzyskał dyplom studiów koncertowych (Konzertexam) z najwyższym odzna­czeniem. Na artystyczny rozwój zespołu miały wpływ ponadto spotkania z tak wybitnymi artystami jak: Jan Ekier, Alexander Tamir, Bracha Eden, Berndt Goetzke, Leonard Hokanson, Tomasz Herbut, Kwartet Camerata.
Duet jest laureatem wielu konkursów muzycznych m.in: Międzynarodowego Konkursu Pianistycznego w Marcopoulo/Grecja (III nagroda – I i II nie przyznano), XI Międzynarodowego Konkursu Duetów Fortepianowych im. F. Schuberta w Jeseniku/Czechy (I nagroda oraz nagroda specjalna za wykonanie utworu Franciszka Schuberta), Międzynarodowego Konkursu Muzyki XX i XXI wieku im. Valentino Bucchi w Rzymie (II nagroda).
Artystki prowadzą ożywioną działalność koncertową występując w Polsce i niemal całej Europie. Obszerny repertuar zespołu obejmuje kompozycje na cztery ręce i dwa fortepiany od epoki baroku do czasów obecnych. Duet ma na swoim koncie wiele prawykonań oraz kilka wydawnictw płytowych. Szczególne zainteresowanie muzyką francuską zaowocowało wydaniem płyty z utwo­rami Fauré, Debussy’ego, Ravela i Poulenca. Kolejna płyta z udziałem duetu, zawierająca utwory Brahmsa na chór kameralny i duet fortepianowy otrzymała w 2005 r. prestiżowe wyróżnienie Polskiej Akademii Fonograficznej Fryderyk. W 2012 r. ukazała się płyta z nagraniem II Symfonii Pawła Łukaszewskiego. Najnowszą płytę duetu Polski kalejdoskop z muzyką polską na 4 ręce uhonorowano nagrodą Fryderyk 2016.
Duet był wielokrotnie stypendystą Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz Fundacji Zonta International.
Agnieszka Kozło i Katarzyna Ewa Sokołowska zajmują się ponadto pracą pedagogiczną wykładając na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina w Warszawie, w Zespole Państwowych Szkół Muzycznych im. F. Chopina w Warszawie oraz na licznych kursach muzycznych.
W 2011 roku obie artystki uzyskały stopień doktora sztuk muzycznych.


12, 14 i 17 lutego 2017– Koncert walentynkowy: W związku z kosmosem

Muzyka w niewytłumaczalny sposób wywołuje w słuchaczu silne emocje, dlatego nie może jej zabraknąć w walentynkowy wieczór. Magdalena Bojanowicz i Bartosz Koziak zadbają o zmysłowy nastrój za pomocą dźwięków wiolonczeli. O romantycznej naturze tego instrumentu przekonamy się, słuchając fragmentu jednej ze suit Jacquesa Offenbacha (kompozytora-wiolonczelisty!), napisanego przez Józefa Haydna duetu oraz kompozycji poświęconej Piotrowi Czajkowskiemu, autorstwa – nomen omen – Valentyna Sylvestrova.

Program:
F. J. Haydn – Duet barytonowy D-dur Hob. X:II + XII: 3 + 5
Jacques Offenbach – Cours methodique de duo, Op. 54 Suite No. 2 (cz. I-III)
Valentyn Sylvestrov – 25.X.1893... À la mémoire de P.I. Tchaïkovski pour deux violoncelles

Magdalena Bojanowicz – wiolonczelistka, absolwentka Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie. Obecnie kontynuuje swoją edukację na studiach Master Solist w Berlinie. Laureatka licznych konkursów: I nagroda 45. Międzynarodowego Konkursu Jeunesses Musicales w Belgradzie (2015), II nagroda i dwie Nagrody Specjalne (za najlepsze wykonanie utworów W. Lutosławskiego) VIII Międzynarodowego Konkursu im. Witolda Lutosławskiego w Warszawie (2011) czy II nagroda 69. Międzynarodowego Konkursu L. van Beethovena w Hradec. Występowała z wieloma orkiestrami pod dyrekcją m. in.: Tadeusza Wojciechowskiego, Jerzego Koska, Michała Nesterowicza czy Pawła Przytockiego oraz brała udział w festiwalach poświęconych muzyce współczesnej czy wiolonczelowej.
Magdalena Bojanowicz była także stypendystką Ministra Kultury i Sztuki, zaś w 2009 roku została laureatką prestiżowego stypendium „Młoda Polska”, które pozwoliło na nagranie płyty „Satin” z polską muzyką współczesną w duecie z Maciejem Frąckiewiczem. Album przyniósł duetowi tytuł laureata Paszportów Polityki, a następnie nominację do Fryderyków. Artystka współtworzy obecnie warszawską grupę „Cellonet” prowadzoną przez Andrzeja Bauera.

Bartosz Koziak – ukończył z odznaczeniem „Magna cum Laude” Uniwersytet Muzyczny Fryderyka Chopina w Warszawie oraz Conservatoire National Superieur de Musique de Paris. Laureat licznych konkursów: zwycięzca III Międzynarodowego Konkursu Wiolonczelowego im. Witolda Lutosławskiego w Warszawie (2001), zdobywca II nagrody na konkursach Isang Yun’a w Tongyeong (Korea) i Kijowie im. Mikola Lysenki, zdobywca I nagrody na XI Międzynarodowym Konkursie Współczesnej Muzyki Kameralnej w Krakowie.
Jako solista współpracował z takimi orkiestrami jak: Filharmonia Narodowa, NOSPR, Sinfonia Varsovia, Sinfonietta Cracovia, Orchestre Philharmonique de Monte Carlo, Münchener Kammerorchester, Praska Filharmonia, Orkiestrami Radiowymi w Warszawie i Budapeszcie, Narodową Orkiestrą Ukrainy, Młodzieżową Orkiestrą Armenii, pod dyrekcją Krzysztofa Pendereckiego, Jana Krenza, Antoniego Wita, Gabriela Chmury, Jacka Kaspszyka, Massimiliano Caldi, Volodymira Syrenki, Ole Rudnera. Występuje na licznych festiwalach w Polsce i zagranicą. Od kilku lat jest regularnie zapraszany do udziału w projektach koncertowych Krzysztofa Pendereckiego. W dyskografii Bartosza Koziaka znajdują się nagrania: „Concerto grosso” pod dyrekcją Krzysztofa Pendereckiego, II Koncert wiolonczelowy Grażyny Bacewicz, utwory na wiolonczelę i fortepian nagrane z Justyną Danczowską. Bartosz Koziak reprezentowany jest przez Stowarzyszenie im. Ludwiga van Beethovena. Współtworzy Warszawską Grupę Wiolonczelową „Cellonet”.


10 lutego 2017 – Muzyka polsko-japońska

Japońscy kompozytorzy muzyki filmowej i Fryderyk Chopin. To nietypowe połączenie muzyczne zaproponowała Emiko Hasegawa. Pianistka zagra kompozycje Ryuichiego Sakamoty, autora ścieżki dźwiękowej do filmu „Wesołych Świąt, pułkowniku Lawrence” (1983) oraz Joe Hisaishiego, który skomponował muzykę do ponad 100 filmów (w tym do anime, we współpracy z reżyserem Hayao Miyazakim). Spośród utworów Fryderyka Chopina usłyszymy znane, ale jednocześnie najbardziej nastrojowe miniatury fortepianowe.

Program koncertu:
Ryuichi Sakamoto - Merry Christmas Mr. Lawrence
F.Chopin - Nokturn cis-moll Lento con gran espressione
Ryuichi Sakamoto - Agua
F.Chopin - Waltz Op.34-2 a-moll
Ryuichi Sakamoto - The Sheltering Sky Theme
F.Chopin - Prelude Op.28-15 Des-dur
Ryuichi Sakamoto - Energy Flow
F.Chopin - Noktrun Op.9-2 Es-dur
Joe Hisaishi - Green Requiem
F.Chopin - Waltz Op.64-2 cis-moll
Joe Hisaishi - The Wind Forest

Emiko Hasegawa – japońska pianistka i pedagog. Urodziła się w 1977 roku Nagano w Japonii. Dzięki wyjątkowym uzdolnieniom muzycznym w wieku 3 lat rozpoczęła naukę gry na fortepianie pod kierunkiem prof. Ikuko Nomura. W 2004 roku ukończyła studia w College of Music Nagoya w klasie fortepianu u prof. Iriny Zaritzkiej i prof. Keiko Hirose, po ukończeniu studiów pracowała jako asystent na uczelni oraz nauczyciel muzyki w firmie YAMAHA. W 2007 roku ukończyła studia podyplomowe w Akademii Muzycznej im. F. Chopina w Warszawie pod kierunkiem prof. Teresy Manasterskiej. Artystka uczestniczyła w wielu festiwalach i koncertach na świecie. Jej zainteresowania muzyczne skupiają się wokół twórczości Chopina, Debussyego, Bacha i Mozarta. 

Koncerty pod gwiazdami polecamy od 15. roku życia
Uwaga - W wyjątkowych sytuacjach może nastąpić zmiana wykonawcy i repertuaru.


13, 20 i 27 stycznia, 3 lutego 2017 – Barwy muzyki, barwy Wszechświata

Myli się ten, kto uważa, że mazurki były królestwem jedynie Fryderyka Chopina. Niektóre jego miniatury wkraczają w późną konwencję gatunku i stają się inspiracją dla kompozytorów z przełomu wieków – Juliusza Janothy, Romana Statkowskiego czy Raula Koczalskiego. Również w muzyce Mikołaja Konstantego Ciurlionis „wybrzmiewa” od czasu do czasu Chopin. Twórczość tego litewskiego kompozytora jest pod pewnym względem unikatowa. M. Ciurlionis zajmował się również malarstwem – stąd obecna w kompozycjach próba „połączenia” obu dziedzin sztuki. Klarownym przykładem są preludia i nokturny, w których współbrzmienia zyskują niemal konkretne kolory.

Program:

Mikołaj K. Ciurlionis:
Nokturn cis-moll VL 183
Preludium Des-dur VL 187 „Pastorale”
Preludium a-moll VL 175 „Mirage”
Preludium h-moll VL 182
Juliusz Janotha:
Mazurek op. 1 nr 1
Roman Statkowski:
Mazurek op. 2 nr 1
Raul Koczalski:
Mazurek op. 60
Fryderyk Chopin:
Nokturn b-moll op. 9 nr 1
Nokturn Es-dur op. 9 nr 2
Nokturn cis-moll op. posth.
Walc Des-dur op. 64 nr 1
Berceuse Des-dur op. 57
Haxameron Var. 6
Preludium Des-dur op. 28 nr 15

Aleksandra Hurkała – naukę gry rozpoczęła w wieku 7 lat. Jest absolwentką Akademii Muzycznej im. Feliksa Nowowiejskiego w Bydgoszczy w klasie fortepianu prof. Jarosława Drzewieckiego. Artystka brała udział w licznych kursach pianistycznych u wybitnych instrumentalistów takich jak: Kevin Kenner, Viera Nosina, Aleksandra Zvirblyte, Monika Sikorska-Wojtacha. Jest laureatką II nagrody na Międzynarodowym Konkursie Pianistycznym w Druskiennikach na Litwie (2012), I nagrody na International Master for Music Teachers w Warszawie (2014), II nagrody na Międzynarodowym Konkursie Pianistycznym w Kopenhadze (2014), nagrody „Indywidualność Muzyczna Forum” w Sanoku (2013). Aleksandra Hurkała jest prócz tego laureatką Polskiego Festiwalu Sztuki „Orzeł 2016”. Prawykonała Sonatę op. 1 Witolda Lutosławskiego oraz „Wielką Sonatę” op. 8 Franciszka Lessla. Współpracowała również z kwartetem Lwowskiej Akademii Muzycznej wykonując koncerty J. S. Bacha w Polsce i za granicą. Od 2013 roku jest dyrektorem artystycznym i współorganizuje cykl „Koncert 5-kultur”.

* * * * * * * *
Opis koncertu przygotowała p. Aleksandra Gruda.


23, 30 grudnia 2016 i 6 stycznia 2017 – Koncert noworoczny

Koniec grudnia i początek stycznia to kalendarzowe zamknięcie starego i otwarcie nowego roku. W te chłodne wieczory rozświetlane blaskiem planety Wenus będącą „pierwszą gwiazdką” na zimowym niebie, zapraszamy na kontemplację niebiańskich przestworzy przy muzyce. Usłyszymy m.in. utwory Jana Sebastiana Bacha, Aleksandra Arutuniana i Leonarda Cohena, w opracowaniu Tomasza Woźniaka (trąbka, flugelhorn) i Aldony Nawrockiej (fortepian), które poprzedzą jej, specjalnie na tę okazję skomponowane, „Preludia świetlne” [Preludes de lumiere].

Aldona Nawrocka – kompozytorka, pianistka, pedagog, absolwentka AMFC w Warszawie (kl.M. Borkowski), doktor sztuki muzycznej. Stypendystka MusikHochschule Luzern (kl. B.Skrzypczak). Uczestniczka kursów kompozycji (m.in. E.Sikora, S.Montegue, A.Brødsgaard), także Académie de Musique du XX-éme siécle w Paryżu (P.Boulez, D.Robertson), oraz organizowanej przez IRCAM Académie d’Eté (B. Ferneyhough, M-A.Dalbavie). Jest laureatką konkursów ogólnopolskich i międzynarodowych. Wielokrotnie brała udział w interdyscyplinarnych projektach artystycznych w kraju i zagranicą, Tworzy muzykę instrumentalną, wokalną, elektroakustyczną. Pracuje jako adiunkt w UMFC. 

Tomasz Woźniak – trębacz, absolwent AMFC w Warszawie, doktor sztuki muzycznej, stypendysta Ministra Kultury (Conservatoire Supérieur w Paryżu-kl.Guy Touvron). Laureat wielu ogólnopolskich i międzynarodowych konkursów, m.in. I nagroda Grand Prix - I Ogólnopolski Festiwal Trębaczy-Kalisz, I nagroda-Konkurs YAMAHY-Poznań, Nagroda Kameralna -VII Międzynarodowy Konkurs Klassik-Festival Ruhr oraz dwukrotny półfinalista Konkursu im. M. André w Paryżu. Koncertuje jako solista i kameralista współpracując z wybitnymi artystami i dyrygentami. W repertuarze posiada utwory od baroku po muzykę najnowszą. Pracuje w Polskiej Orkiestrze Radiowej. tomwozniaktrumpet.com/ 


2, 9 i 16 grudnia 2016 – Wieczór poezji

Muzyka i poezja stanowiły w starożytności niepodzielną całość. Na przestrzeni wieków zmieniały się ich funkcje, w wyniku czego człowiek zaczął postrzegać je jako elementy samodzielne. O tym, że muzyka i słowo nadal opowiadają te same historie przekonamy się podczas kolejnego Koncertu pod Gwiazdami. Pianistka Maria Gabryś wykona dla nas utwory Mariana Sawy, Aldony Nawrockiej, Władysława Żeleńskiego i Karola Szymanowskiego. Kompozycje muzyczne uzupełni i wzbogaci brzmienie słów deklamowanych przez aktora Wiesława Komasę, który na tę okoliczność wybrał wiersze Konstantego Ildefonsa Gałczyńskiego, Tadeusza Różewicza, Bolesława Leśmiana oraz Romana Brandstaettera.

Wiesław Komasa – polski aktor teatralny, filmowy, telewizyjny i dubbingowy, a także reżyser teatralny, lektor i recytator. Absolwent PWST w Krakowie. W teatrze zadebiutował w 1971 r., grał w Teatrze im. Wojciecha Bogusławskiego w Kaliszu, w Poznaniu i w Teatrze Polskim w Warszawie. Występował gościnnie na wielu scenach całej Polski. Jako reżyser współpracował z wieloma teatrami w Polsce i za granicą. Jest laureatem wielu nagród aktorskich.

Maria Ludwika Gabryś – pianistka wyróżniająca się szerokimi zainteresowaniami muzycznymi oraz umiejętnością gry na fortepianie współczesnym, mozartowskim Hammerklavier oraz romantycznym pianoforte. Absolwentka i doktor habilitowana Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie. Mistrzowskie szlify zdobywała w Szwajcarii u prof. Ivana Klansky‘ego w Luzernie i u prof. Jespera Christensena w Schola Cantorum Basiliensis.
Maria Gabryś jest wielokrotną stypendystką Ministra Kultury, Towarzystwa im. F. Chopina i prestiżowej Fundacji Crescendum est Polonia oraz laureatką wielu konkursów. Koncertowała w krajach europejskich, Stanach Zjednoczonych, Korei Południowej i Japonii. Jej liczne doświadczenia muzyczne pozwalają na swobodne poruszanie się w repertuarze od XVIII w. do prawykonań muzyki współczesnej.
Najważniejsze nagrody: I nagroda na konkursie L. v. Beethovena w Hradec (Czechy), I nagroda na konkursie Edwin Fischer Wettbewerb w Luzern (Szwajcaria), I nagroda na konkursie na instrumentach historycznych Chopin Golden Ring w Słowenii.
www.mariagabrys.eu


11, 18 i 25 listopada 2016 – Sequenza

Niektórzy wierzą, że Niccolò Paganini sprzedał swoją suszę diabłu, by stać się największym wirtuozem skrzypiec swoich czasów. Jego sława trwa po dzień dzisiejszy. Diabelsko skomplikowane kaprysy i niebiańskie projekcje na kopule planetarium będą współtworzyć koncert skrzypka Janusza Wawrowskiego. Prócz tego artysta wykona kompozycje Grażyny Bacewicz i Bjarne Brustada. W swoich formach nawiązują one do epoki klasycyzmu i baroku, w brzmieniu – korzystają ze zdobyczy dwudziestego wieku.

Program:
Grażyna Bacewicz – Sonata na skrzypce solo nr 2
Bjarne Brustad – Eventyr Suite
Niccolò Paganini – Kaprysy: nr 6, nr 20, nr 24

Janusz Wawrowski – jest absolwentem i wykładowcą Uniwersytetu Muzycznego im. Fryderyka Chopina w Warszawie. Swoje umiejętności doskonalił pod okiem profesora Mirosława Ławrynowicza, Yaira Klessa oraz Salvatore Accardo.
Artysta jest laureatem wielu międzynarodowych konkursów skrzypcowych. Koncertował w Filharmonii Berlińskiej, Konserwatorium im. Piotra Czajkowskiego w Moskwie, Victoria and Albert Museum w Londynie, De Doelen Concertgebouw w Rotterdamie, Tel Aviv Music Center, Teatro Teresa Carreno w Caracas i in. Gościł na wielu renomowanych festiwalach m.in. na festiwalu Chopin i Jego Europa, Salzburger Festspiele, Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, Festiwalu Muzyki Polskiej, Festiwalu Prawykonań, Transatlantyk Festival oraz Bebersee Festival.
Jako solista występował ze wszystkimi renomowanymi orkiestrami w Polsce, w tym z Orkiestrą Filharmonii Narodowej, orkiestrą Sinfonia Varsovia, Narodową Orkiestrą Symfoniczną Polskiego Radia, Polską Orkiestrą Radiową i Orkiestrą Kameralną Polskiego Radia Amadeus, a także z orkiestrami czeskimi, ukraińskimi, Südwestdeutsche Philharmonie oraz Sinfόnica de la Juventud Venezolana Simόn Bolivar.
W swojej karierze artysta współpracował z wieloma wybitnymi dyrygentami, wśród których znaleźli się: Conrad van Alphen, Łukasz Borowicz, Gabriel Chmura, Mykola Diadiura, Agnieszka Duczmal, Michał Dworzyński, Arthur Fagen, Jacek Kaspszyk, Jerzy Maksymiuk, Tomáš Netopil, Vladimir Ponkin i Antoni Wit.
Janusz Wawrowski dokonał licznych premier koncertów skrzypcowych: Vivaldi Recomposed Maxa Richtera i The Four Seasons Sukhi Kanga (polskie premiery), światowej prapremiery L.A. Concerto Tomasza Jakuba Opałki oraz premierowego nagrania koncertu skrzypcowego Óneiros Dariusza Przybylskiego. Nagrał również muzykę Jana A. P. Kaczmarka do hollywoodzkich filmów Evening (reż. Lajos Koltai) oraz Get low (reż. Aaron Schneider).

* * * * * * * *
Opis koncertu przygotowała p. Aleksandra Gruda.


21 i 28 października, 4 listopada 2016 – Pieśni nocy i przestrzeni

Od muzyki z dawnych epok po utwory współczesne. W trakcie tego koncertu usłyszycie zarówno pieśni Mieczysława Karłowicza do słów polskich poetów, jak i kompozycje najsłynniejszych impresjonistów: Claude’a Debussy'ego i Gabriela Fauré w wykonaniu Doroty Całek (sopran) przy akompaniamencie Urszuli Świerczyńskiej (fortepian). Przekonajcie się, jak pod rozgwieżdżonym niebem może rozbrzmieć pieśń – forma muzyczna towarzysząca nam od najdawniejszych czasów. Każdy z utworów poprzedzi interludium skomponowane na fortepian.

Dorota Całek – absolwentka Wydziału Wokalno-Aktorskiego Akademii Muzycznej im. F. Chopina (obecnie Uniwersytet Muzyczny) oraz Akademii Muzycznej im. G i K. Bacewiczów w Łodzi, doktor sztuk muzycznych, logopeda. W latach 1994- 2009 była solistką Warszawskiej Opery Kameralnej, w której wykonywała partie w operach m. in. C. Monteverdiego, G. Rossiniego i L. Janačka. Wraz z zespołem tego teatru występowała niemal w całej Europie i poza jej granicami. Współpracowała także z Teatrem Roma w Warszawie i Operą Bałtycką w Gdańsku. Za swój największy sukces sceniczny artystka uważa partię Kościelnichy w pierwotnej wersji Jenufy L. Janačka, wystawionej w 2004 r.
Śpiewaczka wykonuje i nagrywa obecnie głównie repertuar polski, z jednej strony prezentując muzykę zapomnianą, np. Aleksandra Zarzyckiego, Ludomira Michała Rogowskiego, z drugiej zaś – biorąc udział w prawykonaniach utworów m. in. Romualda Twardowskiego, Mariana Sawy. Zajmuje się także działalnością dydaktyczną: pracuje na stanowisku adiunkta na Wydziale Pedagogiczno-Artystycznym w Kaliszu (Uniwersytet im. A. Mickiewicza w Poznaniu) oraz na Uniwersytecie Warszawskim, gdzie uczy emisji głosu.

Urszula Świerczyńska – ukończyła Akademię Muzyczną im. Karola Szymanowskiego w Katowicach na dwóch wydziałach: instrumentalnym oraz kompozycji i teorii muzyki. Już będąc studentką zaczęła pasjonować się muzyką Ludomira Michała Rogowskiego, zaś swoje twórcze poszukiwania uwieńczyła pracami naukowymi i koncertami - choćby wykonując jego kompozycje w Konsulacie Generalnym w Kolonii czy Trybunale Koronnym w Lublinie podczas koncertu Rogowski In memoriam. Posiada w swym dorobku również prawykonania muzyki polskiej. Wraz z artystkami Dorotą Całek (sopran) oraz Alicją Wołyńczyk (saksofon) wykonała po raz pierwszy utwór Marcina Tadeusza Łukaszewskiego, natomiast podczas XVIII Lubelskiego Forum Sztuki Współczesnej im. Witolda Lutosławskiego prawykonała polskie utwory Ludomira Michała Rogowskiego.
Pianistka jest również pedagogiem w Państwowej Szkole Muzycznej I st. nr 2 im Fryderyka Chopina w Warszawie oraz w Warszawskiej Szkole Muzycznej na stanowisku kierownika sekcji fortepianu.


30 września, 7 i 14 października 2016 – Betelgeuse

Akordeon nie przypomina swoim wyglądem instrumentu dętego, który stanowi. Kojarzony jest w Polsce częściej z folklorem, niż salami koncertowymi. Na szczęście stan ten ulega stopniowej zmianie, szczególnie za sprawą poszukującej nowych brzmień muzyki współczesnej. O tym, jak może brzmieć akordeon, przekonamy się w trakcie koncertu Rafała Łuca. Instrumentem towarzyszącym będzie elektronika – czeka nas zatem dźwiękowa podróż w przyszłość w otoczeniu projekcji gwiezdnych konstelacji. Na program koncertu składają się nowe kompozycje wrocławskich kompozytorów, z którymi Rafał Łuc pracuje nad poszerzaniem repertuaru akordeonowego.

Program:
Michał Moc - Betelgeuse na akordeon chromatyczny i taśmę
Paweł Hendrich - Accant na akordeon i komputer
Sławomir Kupczak - 4 tańce z przygrywką na akordeon i komputer
Cezary Duchnowski - acc++ca na akordeon i komputer

„Doskonały akordeonista” – przeczytać można w Ruchu Muzycznym na temat Rafała Łuca, absolwenta Akademii Muzycznej im. Karola Lipińskiego we Wrocławiu oraz Royal Academy of Music w Londynie. Muzyk obie uczelnie ukończył z wyróżnieniem. Już od najmłodszych lat wykazywał predyspozycje do gry: będąc zaledwie 15-letnim instrumentalistą wystąpił po raz pierwszy jako solista z Orkiestrą Filharmonii Wrocławskiej. W trakcie pobytu w Wielkiej Brytanii, po popisach w prestiżowych salach koncertowych, młody artysta zostaje opisany przez The Times jako „muzyk znacznie dojrzalszy niż jego wiek (…)”. Potwierdza to również jego dotychczasowy dorobek – jest laureatem wielu konkursów w kraju i za granicą, wraz z koreańską wiolonczelistką Hau-Eun Kim nagrał płytę wydaną przez wytwórnię Universal Music, tej jesieni ukaże się natomiast debiutanckie wydawnictwo duetu Duo Van Vliet, który współtworzy z altowiolistą Ianem Andersonem. Do tej pory doskonalił swoje umiejętności na kursach mistrzowskich, współpracował również z wieloma znakomitymi dyrygentami jako solista i muzyk orkiestrowy. Ciekawym aspektem jego działalności jest bezpośrednia współpraca z kompozytorami nad nowym repertuarem akordeonowym – prawykonał nowe utwory solowe i kameralne m. in. Cezarego Duchnowskiego czy Pawła Hendricha. Efektem m. in. wspomnianej współpracy jest solowa płyta artysty wydana przez DUX pt. acc++ca, zawierająca utwory wrocławskich kompozytorów na akordeon i elektronikę.


26 sierpnia, 2 września i 23 września 2016 – Chopin na dobry wieczór

Jak brzmi muzyka nocy? Na to pytanie może odpowiedzieć tylko nokturn, gatunek, którego nazwę można przetłumaczyć po prostu – jako „nocny”. I właśnie trzy Nokturny Fryderyka Chopina wprowadzą nas w nastrój rozgwieżdżonego zimowego nieba podczas koncertu pianistki Marii Gabryś. Przy akompaniamencie preludiów przejdziemy w stronę mazurków, czasem radosnych jak wiosna, niekiedy zaś melancholijnych jak deszczowy dzień. Klamrę koncertu stanowić będzie Fantazja-Impromptu cis-moll op. 66., o nokturnowym charakterze, dla podsumowania kolejnego koncertu pod gwiazdami.

W programie utwory F. Chopina:
Nokturn Es-dur op.9 nr 2
Nokturn Es-dur op.55 nr 2
Nokturn Des-dur op.27 nr 2
Preludia op.28
    - E-dur nr 9
    - cis-moll nr 10
    - H-dur nr 11
    - Fis-dur nr 13
    - es-moll nr 14
    - Des-dur nr 15
Mazurek cis-moll op.6 nr 2
Mazurek c-moll op.30 nr 1
Mazurek h-moll op.30 nr 2
Mazurek a-moll op.17 nr 4
Fantaisie - Impromptu cis-moll op.66

Maria Ludiwka Gabryś – pianistka wyróżniająca się szerokimi zainteresowaniami muzycznymi oraz umiejętnością gry na fortepianie współczesnym, mozartowskim Hammerklavier oraz romantycznym pianoforte. Absolwentka i doktor habilitowana Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie. Mistrzowskie szlify zdobywała w Szwajcarii u prof. Ivana Klansky‘ego w Luzernie i u prof. Jespera Christensena w Schola Cantorum Basiliensis.
Maria Gabryś jest wielokrotną stypendystką Ministra Kultury, Towarzystwa im. F. Chopina i prestiżowej Fundacji Crescendum est Polonia oraz laureatką wielu konkursów. Koncertowała w krajach europejskich, Stanach Zjednoczonych, Korei Południowej i Japonii. Jej liczne doświadczenia muzyczne pozwalają na swobodne poruszanie się w repertuarze od XVIII w. do prawykonań muzyki współczesnej.
Najważniejsze nagrody: I nagroda na konkursie L. v. Beethovena w Hradec (Czechy), I nagroda na konkursie Edwin Fischer Wettbewerb w Luzern (Szwajcaria), I nagroda na konkursie na instrumentach historycznych Chopin Golden Ring w Słowenii.
www.mariagabrys.eu


22 lipca, 12 i 19 sierpnia 2016 – Muzyka polsko-japońska

Japońscy kompozytorzy muzyki filmowej i Fryderyk Chopin. To nietypowe połączenie muzyczne zaproponowała Emiko Hasegawa. Pianistka zagra kompozycje Ryuichiego Sakamoty, autora ścieżki dźwiękowej do filmu „Wesołych Świąt, pułkowniku Lawrence” (1983) oraz Joe Hisaishiego, który skomponował muzykę do ponad 100 filmów (w tym do anime, we współpracy z reżyserem Hayao Miyazakim). Spośród utworów Fryderyka Chopina usłyszymy znane, ale jednocześnie najbardziej nastrojowe miniatury fortepianowe.

Program koncertu:
1. Ryuichi Sakamoto – „Merry Christmas Mr Laurence”
2. F.Chopin – Noktrune cis-moll opus post LENTO CON GRAN ESPRESSIONE
3. Joe Hisaishi – Resphonia
4. F.Chopin – Prelude Des-dur op 28-15
5. Joe Hisaishi – The Twilight Shoe
6. F.Chopin – Walc a-moll  op 34-2
7. Ryuichi Sakamoto – energy flow
8. F.Chopin – Noktrune Es-dur op 9-2
9. Joe Hisaishi – Green Requiem
10.  F.Chopin – Walc cis-moll op 64-2
11.  Joe Hisaishi – Tunnel of wind 

Emiko Hasegawa – japońska pianistka i pedagog. Urodziła się w 1977 roku Nagano w Japonii. Dzięki wyjątkowym uzdolnieniom muzycznym w wieku 3 lat rozpoczęła naukę gry na fortepianie pod kierunkiem prof. Ikuko Nomura. W 2004 roku ukończyła studia w College of Music Nagoya w klasie fortepianu u prof. Iriny Zaritzkiej i prof. Keiko Hirose, po ukończeniu studiów pracowała jako asystent na uczelni oraz nauczyciel muzyki w firmie YAMAHA. W 2007 roku ukończyła studia podyplomowe w Akademii Muzycznej im. F. Chopina w Warszawie pod kierunkiem prof. Teresy Manasterskiej. Artystka uczestniczyła w wielu festiwalach i koncertach na świecie. Jej zainteresowania muzyczne skupiają się wokół twórczości Chopina, Debussyego, Bacha i Mozarta.


29 lipca i 5 sierpnia 2016 – Cztery pory kosmosu

W trakcie kolejnego Koncertu pod Gwiazdami będziemy mogli przysłuchać się wszystkim czterem porom roku, do tego w podwójnym muzycznym opisie – Antonio Vivaldiego oraz skrzypka Gustawa Ciężarka. Nikomu nie trzeba przypominać, jak brzmią i jak bardzo popularne są Cztery pory roku Vivaldiego. W ich towarzystwie usłyszymy autorskie kompozycje polskiego skrzypka, zainspirowane zmieniającą się przyrodą. Koncert na dobre wprowadzi nas w lato. W drugiej części usłyszymy nawet burzę, ale po niej z pewnością wróci słońce.

Program:
One Violin Band - Jesienny Wodospad
A. Vivaldi - Cztery pory roku: Jesień cz. 3
One Violin Band - Winter central square
A. Vivaldi - Cztery pory roku: Zima cz. 2
One Violin Band - Przedwiośnie
A. Vivaldi - Cztery pory roku: Wiosna cz. 1
One Violin Band - Spring birds with Lena
One Violin Band - Spacer do lata
A. Vivaldi - Cztery pory roku: Lato cz. 3 

Gustaw Ciężarek jest absolwentem Akademii Muzycznej im. Fryderyka Chopina w Warszawie w klasie prof. Konstantego Andrzeja Kulki, prof. Mirosława Ławrynowicza, prof. Romana Lasockiego i dr Andrzeja Gębskiego. Ukończył staż artystyczny na kierunku kameralistyka w klasie prof. Krystyny Makowskiej-Ławrynowicz na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina. Wielokrotnie uczestniczył w Mistrzowskich Kursach Muzycznych w Łańcucie, Zakopanem i Fromborku doskonaląc swoje umiejętności u takich mistrzów jak Marina Yashvili, Wolfgang Marschner, Roland Baldini, Robert Szreder, Helen Brunner. Dwukrotnie otrzymał stypendium na udział w Mistrzowskich Kursach Muzycznych w Goch (Niemcy). W maju 2009 został laureatem Grand Prix w konkursie Zapomniana muzyka polska organizowanego przez wydawnictwo muzyczne Acte Prealable. W 2008 został laureatem II miejsca, oraz otrzymał nagrodę specjalną za najlepsze wykonanie utworu kompozytora holenderskiego na XII Międzynarodowym Konkursie Współczesnej Muzyki Kameralnej w Krakowie. Jest laureatem makroregionalnych przesłuchań skrzypcowych w Poznaniu i ogólnopolskich przesłuchań skrzypcowych w Elblągu. Koncertował jako solista z orkiestrą Filharmonii Szczecińskiej, Opery na Zamku, Filharmonii Kameralnej im. Witolda Lutosławskiego w Łomży, Polsko-Niemiecką Orkiestrą Młodzieżową Pomerania, wykonując koncerty skrzypcowe Czajkowskiego, Wieniawskiego, Mendelsohna, Vivaldiego, Bacha. W roku 2011 wraz z pianistką Soyeon Lim nagrał debiutancką płytę ze wszystkimi utworami kameralnymi Władysława Żeleńskiego wydaną w wydawnictwie Acte Prealable. Jest stypendystą Prezydenta Miasta Szczecina oraz Towarzystwa Przyjaciół Szczecina. W roku 2013 otworzył muzyczny kanał One Violin Band na portalu YouTube, gdzie promuje muzykę skrzypcową. 

* * * * * * * *
Opis koncertu przygotowała dla nas p. Aleksandra Gruda studentka muzykologii Uniwersytetu Warszawskiego, której zainteresowania związane są z etnomuzykologią, psychologią muzyki oraz archeomuzykologii. Współpracowała z Polskim Radio RDC przy realizacji programów Mnie się to podoba i Niedzielny Poranek.


1 i 15 lipca 2016 – Gwiezdne preludia

W czasie koncerty usłyszymy preludia skomponowane przez Bacha, Szostakowicza i Szymanowskiego. Dziś to odrębny gatunek. Jednak w historii muzyki preludium funkcjonowało początkowo jako wstęp do bardziej rozbudowanej kompozycji. Tak było choćby u Jana Sebastiana Bacha. Dopiero z czasem kompozytorzy zaczęli tworzyć ich cykle. Karol Szymanowski w swoich Preludiach op. 1 nawiązuje do języka muzycznego Chopina. Kaskady dźwięków spływają w nich na słuchacza, by zaskakiwać akordami lub harmonijną melodią.

Program:
S.Rachmaninoff Preludia op.3 nr.2
D.Shostakovich Preludia op.34 nr.1.2.6.10
K.Szymanowski Preludia op.1 nr.1.2.7
F.Chopin Preludia op.28 nr.1.2.3.4.6.10.11.15.18.20.24
J.S.Bach Preludia nr.1.2.3.21.6 

Soyeon Lim – ukończyła Gimcheon High School of Arts w klasie prof. Myeong Hee Lee. Jest absolwentką klasy prof. Yeon Jung Kim i klasy prof. Andrzeja Dutkiewicza w Keimyeong University of Music w Korei oraz klasy prof. Jerzego Sterczyńskiego w Akademii Muzycznej im. Fryderyka Chopina w Warszawie. Laureatka Grand Prix VI edycji Konkursu Zapomniana Muzyka Polska organizowanego przez wydawnictwo Acte Prealable oraz II nagrody i nagrody specjalnej za najlepsze wykonanie utworu kompozytora holenderskiego na XII Międzynarodowym Konkursie Współczesnej Muzyki Kameralnej w Krakowie (2008). W wieku 16 lat wystąpiła jako solistka, wykonując V Koncert Fortepianowy Ludwika van Beethovena z towarzyszeniem orkiestry Gimcheon High School of Arts. W roku 2005 koncertowała w ramach wschodnio-azjatyckiego festiwalu muzyki współczesnej Dong Asia Hyundae Eumak Je. Współpracuje z Operą na Zamku w Szczecinie, z Filharmonią Narodową, Teatrem Nowym w Łodzi oraz organizatorami Międzynarodowych Kursów Muzycznych w Łańcucie. Od 2014 jest wykładowcą na Uniwersytecie Keimyung w Deagu.

 

 

Archiwum Orbity Jazzu

10 listopada 2017 – Piotr Matusik solo keyboards

Piotr Matusik – pianista, klawiszowiec, kompozytor. Urodzony 5 czerwca 1991 roku w Bielsku-Białej. Absolwent wydziału jazzu Akademii Muzycznej w Katowicach w klasie fortepianu prof. dr hab. Wojciecha Niedzieli, z którym od października 2015 roku koncertuje w duecie fortepianowm. Laureat wielu prestiżowych nagród, do których zalicza się między innymi I miejsce podczas międzynarodowego konkursu na kompozycje jazzową w Belgii – BJazz 2016 .

Tym razem muzyk wystąpi w odsłonie elektronicznej „Piotr Matusik Solo Keyboards”, używając dwóch wirtualno-analogowych syntezatorów oraz innych instrumentów klawiszowych. Muzyka zostanie w pełni zaimprowizowana podczas lotu przez planetaryjną przestrzen kosmiczną


13 października 2017 – INTERPLAY Jazz Duo

Muzyka INTERPLAY Jazz Duo w składzie: Kamil Urbański (fortepian), Jędrzej Łaciak (bas) charakteryzuje się nowoczesną harmonią, innowacyjną formą oraz dbałością o współbrzmienie instrumentów. Często nawiązuje do dokonań muzyki klasycznej oraz polifonii. Repertuar stanowią kompozycje własne członków duetu, m.in.: „5 h Non-Stop” (K. Urbański), „Black Coffin-Shaped Snuff Box” (K. Urbański), „Grandpa” (K. Urbański), „Long Distance Waltz” (J. Łaciak), „Second Moment of Sobriety” (J. Łaciak), „Papcio” (K. Urbański), a także interpretacje standardów jazzowych

Program:
1. Joseph Kosma, Autumn Leaves
2. Kamil Urbański, 5 h Non-Stop
3. Kamil Urbański, Papcio
4. Jędrzej Łaciak, Searching for Nothing
5. Jędrzej Łaciak, Persistence of Adversity
6. Jędrzej Łaciak, Kamil Urbański, Mr. Bill Evans
7. Kamil Urbański, Collage

INTERPLAY Jazz Duo – uznany w środowisku i wielokrotnie nagradzany duet jazzowy młodego pokolenia. Obaj członkowie zespołu są kompozytorami, instrumentalistami i aranżerami. Ukończyli studia w Akademii Muzycznej im. Karola Szymanowskiego w Katowicach, gdzie poznali się i założyli Interplay Jazz Duo w 2010 r. Muzycy współpracowali m.in. z takimi artystami, jak Wanda Warska, Andrzej Jagodziński, Wojciech Karolak, Stanisław Soyka, Kwartet Wilanów. W ramach Interplay muzycy realizują własne poszukiwania z zakresu harmonii, improwizacji i aranżacji.
• Skład zespołu: Kamil Urbański Fortepian Jędrzej Łaciak Bass
• Nagrody: 2013 – Nagroda Akademii Fonograficznej „Fryderyk” Muzyka Jazzowa – Debiut Roku 2012 - II miejsce w konkursie Muzyczne Scyzoryki 2012, Świętokrzyskie Nagrody Artystyczne 2012 - Główna Nagroda Konkursu Lotos Jazz Festival 14. Bielskiej Zadymki Jazzowej 2011 - III miejsce w konkursie 4th Azoty Tarnów International Jazz Contest 2011 - II Nagroda w konkursie „Powiew Młodego Jazzu” X Międzynarodowy „Krokus Jazz Festiwal” 2011 - „Jupitery 2011” – nagroda przyznana przez Starachowickie Centrum Kultury 2011 - Wyróżnienie Specjalne podczas konkursu Nadzieje Warszawy 2011, Tygmont 2011 - III Nagroda na 47. Wrocławskim Festiwalu Jazzowym „Jazz nad Odrą” 2011 2011 – Wyróżnienie na 47. Wrocławskim Festiwalu Jazzowym „Jazz nad Odrą” 2011

MEDIA O ZESPOLE:
Bardzo oryginalna koncepcja, niczego takiego wcześniej nie słyszałam. To imponujące, jak ci dwaj muzycy ze sobą grają!
Maria Schneider JAZZ FORUM 4-5/2012

Tylko dwójka, ale posłuchajcie, jak oni ze sobą współpracują i jak się nawzajem uzupełniają!
Jan Ptaszyn Wróblewski "Trzy Kwadranse Jazzu" 20.02.2012 r. "Trójka" Polskie Radio

Grają oni własne głównie kompozycje, ale mają bardzo oryginalną koncepcję, którą to koncepcję wyraża już sama nazwa zespołu Interplay, czyli współpraca, współdziałanie, współbrzmienie, wszystko to, co jest istotą jazzu. Dialog, wzajemne słuchanie się, wyczuwanie, reagowanie, akcja i reakcja. (…) Grają wspaniale, można powiedzieć fenomenalnie. (…) Jest to dwóch bardzo przemiłych, bardzo skromnych muzyków, których moim zdaniem czeka duża, ciekawa przyszłość.
Paweł Brodowski „Puls Jazzu" 28.02.2012 r. "Dwójka" Polskie Radio

Albumu słucha się z dużą przyjemnością – muzyka Interplay, choć daleka od awangardy, brzmi intrygująco i świeżo – oryginalność (rzadko spotykany skład, wysmakowana harmonia, brzmienie i dalekie od schematów formy utworów) jest chyba najważniejszą cechą całego projektu. Inną właściwością muzyki jest jednolitość i płynność narracji (…). Ostatni ważny element to precyzja, (…) sposób rozplanowania formy, sterowanie czasem.
Bogdan Chmura JAZZ FORUM 7-8/2012


18 sierpnia 2017 – Deszcz meteorów

Koncert Agi Derlak to solowa interpretacja najnowszego albumu jej autorskiego tria pt. „Healing”. Utwory powstały nie tylko w wyniku inspiracji muzycznych ale przede wszystkim w wyniku rozmyślań nad słowem, przeżyciem, emocją. To muzyczne rozważanie na temat poszukiwań naszej wartości w świecie, który często zagłusza nasze prawdziwe „ja”.

W programie:

1. Intro – Aga Derlak
2. Waiting – Aga Derlak
3. The Word – Aga Derlak
4. The Ultimate Love – Aga Derlak
5. Mind The Things You Follow – Aga Derlak
6. Fears And Hopes – Aga Derlak
7. I Loves You Porgy – George Gerschwin

Aga Derlak – pianistka, absolwentka Akademii Muzycznej im. Karola Szymanowskiego na kierunku Jazz i Muzyka Estradowa w klasie Pawła Tomaszewskiego, absolwentka Zespół Państwowych Szkół Muzycznych im. Fryderyka Chopina w Warszawie na wydziale jazzu w klasie Michała Tokaja; Liderka Aga Derlak Trio, zespołu nagradzanego na licznych festiwalach jazzowych, m.in. II nagroda na Jazz Juniors (2013), II nagroda na Przeglądzie Młodych Zespołów Bluesowych i Jazzowych w Gdyni (2013), nagroda indywidualna na Krokus Jazz Festival (2014), Czech Jazz Contest (2015) oraz ZIlina Jazz Competition (2016). W 2015 roku wydała wraz z triem debiutancką płytę „First Thought” dla słowackiej wytwórni Hevhetia, za którą w 2016 roku otrzymała nagrodę Fryderyk w kategorii: jazz – fonograficzny debiut roku. W 2017 roku wraz ze swym triem wydała kolejną płytę „Healing”, z którą koncertuje po Polsce i Europie.


7 lipca 2017 – Poza horyzontem

Jak połączyć klasyczne brzmienie wiolonczeli z elektroniką? Co kryje się za granicą horyzontu zdarzeń, po której przekroczeniu materia zostaje bezpowrotnie uwięziona? Jak wyrazić to, czego fizyka nie potrafi opisać? Przekonacie się w czasie koncertu Agaty Kurzyk, która dzięki technice zapętlania dźwięku i użyciu loopera zabierze nas w podróż poza horyzont zdarzeń. Inspiracją dla muzyki i wizualizacji będą multiwszechświaty, teoria strun i czarne dziury, a więc miejsca wciąż niezbadane i niedostępne dla człowieka.

Agata Kurzyk – wiolonczelistka i kompozytorka, popularyzatorka nauki poprzez sztukę, studentka Uniwersytetu Muzycznego w Warszawie oraz specjalista biologii komórki w Zakładzie Medycyny Regeneracyjnej. Czynnie koncertuje w kraju i za granicą. W czasie swoich występów wykorzystuje looper. Mistrzyni wschodniej Europy (Budapeszt 2012) i finalistka światowych mistrzostw w loopowaniu BOSS Loop Station World Championship 3 (Anaheim/LA/USA 2013). Stypendystka Urzędu Miasta Stołecznego Warszawy, gość specjalny na Stoff Fringe Festival (Sztokholm, 2013), laureatka Nagrody Stoff dla najlepszej artystki Festiwalu Sopot Fringe Festiwal (2012).

www.agatakurzyk.com/pl/


9 czerwca 2017 – Midnight tango

Koncert „The New Warsaw Trio” zabierze nas w gwiezdną podróż, która odbędzie się na dwóch płaszczyznach. Pierwsza z nich to wizualna wędrówka po najodleglejszych galaktykach, zakamarkach wszechświata, ale także plantach sąsiadujących z Ziemią. Druga, to płaszczyzna muzyczna, w której gwiazdorska obsada kompozytorów i ich najbardziej spektakularne utwory w genialnej interpretacji tria, które niczym kameleon zmienia emocje w barwy, a utwory w historie pełne głębi i treści.

The New Warsaw Trio tworzą trzej młodzi, niezwykle utalentowani instrumentaliści, laureaci prestiżowych nagród na konkursach muzycznych w Polsce i za granicą. Zespół powstał w 2012 roku zaś inspiracją do podjęcia współpracy było zamiłowanie do muzyki Richarda Galliano, Astora Piazzolli oraz szeroko pojętej muzyki jazzowej. Zestawienie brzmienia akordeonu, kontrabasu i klarnetu pozwala muzykom tworzyć wspaniałe smooth-jazzowe nastroje, bogate w niezwykle ciekawe improwizacje, które z powodzeniem prezentują zarówno w klubach jazzowych jak i w dużych salach koncertowych. Repertuar zespołu obejmuje standardy jazzowe, utwory Richarda Galliano, Astora Piazzolli, Andre Astiera, Arta Van Damma oraz kompozycje własne, zyskujące szczególne uznanie publiczności. Program koncertów festiwalu La Folle Journée 2013 wypełniły utwory kompozytorów ściśle związanych z kulturą francuską, m.in.: Henri Betti, Hubert Giraud, Georges Moustaki.

W programie:

Richard Galliano – Tango pour Cloude
Astor Piazzola – Le Grand Tango
Edward Grieg – Per Gynt uwertura
Richard Galliano – French Touch
Astor Piazzolla – Oblivion
Richard Galliano – New York Tango
John Legend – All of me
Astor Piazzolla – Libertango

Rafał Grząka – akordeonista, doktor sztuki, adiunkt na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina w Warszawie, laureat prawie czterdziestu międzynarodowych konkursów akordeonowych. Muzyk występuje jako solista i kameralista zdobywając uznanie publiczności na całym świecie. Na swym koncie ma nagrania dla takich wytwórni jak DUX, Karrot Kommando, Universal Music, czy Requiem Records.

 

Przemysław Skałuba – klarnecista i saksofonista, jeden z najwszechstronniejszych instrumentalistów swego pokolenia, z powodzeniem godzi pracę pedagogiczną i koncertową wykonując muzykę rozpiętą między klasyką po szeroko pojęte world music. Występował w takich projektach artystycznych jak Filharmonia Dowcipu, Śpiewające Fortepiany, od wielu lat jest kierownikiem muzycznym Marcina Dańca.

 

Konrad Kubicki – urodzony w 1980 roku w Warszawie. Kontrabasista oraz gitarzysta basowy. Absolwent Uniwersytetu Muzycznego im. Fryderyka Chopina w Warszawie. Koncertuje w kraju i za granicą. Jako muzyk sesyjny nagrał kilkadziesiąt albumów płytowych oraz ponad 300 godzin programów telewizyjnych. W 2013 roku razem z Filharmonią Narodową otrzymał nagrodę Grammy za nagranie dzieł Krzysztofa Pendereckiego,wydanych przez Naxos Germany w 2012 roku. Więcej na: www.konradkubicki.pl
 


12 maja 2017 – Cosmic Live Electronic: Chemia miłości

Inspiracją do powstania utworów (oraz filmowej wizualizacji) były substancje chemiczne wytwarzane w organizmie zakochanej osoby, potocznie nazywane „chemią miłości”. W tworzeniu kompozycji istotą było przeniesienie na język muzyki zarówno struktur graficznych wzorów tych substancji, jak również ich zapisów. Dzięki przetłumaczeniu na język muzyki wzorów chemicznych, będzie można usłyszeć jak brzmi Chemia Miłości oraz odkryć bliskie związki muzyki i chemii.
Kompozycje, których posłuchamy podczas koncertu są kontynuacją eksperymentów kompozytorki, polegających na tłumaczeniu na język muzyki przestrzeni i struktur pozamuzycznych.

Kompozycje są kontynuacją eksperymentów muzycznych kompozytorki, polegających na kodowaniu na język muzyki innych przestrzeni i struktur pozamuzycznych z otaczającego nas świata.Utwór „Chemia Miłości” skomponowany w latach 2016–2017 jest inspirowany substancjami chemicznymi, które odpowiadają za stan zakochania, potocznie nazywane chemią miłości. W tworzeniu kompozycji istotą było odkodowanie na język muzyki struktur graficznych tych wzorów oraz ich zapisów. Utwór „88 Fraktali” jest inspirowany geometrią fraktalną.

Kompozytorka w trakcie koncertu będzie używać urządzenia Exformer, stworzonego przez Michała Silskiego. Exformer dzięki zastosowanie różnego typu sensorów, poszerza wrażliwość elektronicznego instrumentarium, daje mu rodzaj dodatkowych zmysłów zdolnych odbierać szersze niż dotąd spektrum ekspresji wykonawcy. Artystka wykorzystuje ten dodatkowy strumień informacji do modelowania dowolnie wybranych parametrów dźwięku, wzbogacając w ten sposób graną przez siebie muzykę o dodatkowe wymiary.

Program:
„88 FRAKTALI”
„CHEMIA MIŁOŚCI”
I DopamineII PhenylethylamineIII EstratetraenolI
V Epinephrine
V Norepinephrine
VI Endorphins

Wykonawcy kompozycji:
Małgorzata Kubala – Sopran
Marzena Majcher – live electronics, „Exformer”
słowa do „Chemii Miłości” napisała Aneta Badziąg

Marzena Majcher – kompozytorka i gitarzystka, absolwentka Studiów Kompozycji na Uniwersytecie Muzycznym w Warszawie oraz gitary klasycznej w Akademii Muzycznej w Łodzi. Autorka muzyki do ponad 30 filmów, sztuk teatralnych oraz współczesnej muzyki poważnej. Filmy z jej muzyką były wielokrotnie nagradzane i prezentowane na Festiwalach Filmowych na całym świecie. Stworzyła m.in. muzykę do: fabuły „Hanoi – Warszawa” nagrodzonej Europejską Nagrodą Akademii Filmowej (były Feliks), sztuki teatralnej „Kobro” nagrodzonej Nadzwyczajną Złotą Maską, oprawy muzycznej TVP Kultura. Autorka kompozycji FIGURES na orkiestrę symfoniczną oraz cyklu utworów KRUSZENIE NEURONÓW. Jej płyta BUDYŃ została uznana za wydarzenie muzyczne roku 2011 na Festiwalu Sztuki Współczesnej Re_wizje 5 w Warszawie. Stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego 2016 r. Koncertowała na wielu prestiżowych Festiwalach m.in. na Festiwalu Filmowym OFF Camera Plus w Krakowie, na inauguracji Międzynarodowego Festiwalu Filmów Przyrodniczych w Łodzi 2015 r. Współpracowała ze znanymi reżyserami m.in. z Grzegorzem Królikiewiczem, Leszkiem Mądzikiem, Katarzyną Klimkiewicz, Iwoną Siekierzyńską. www.marzenamajcher.manifo.com, www.filmpolski.pl/Marzena Majcher

Małgorzata Kubala – sopran, absolwentka Uniwersytetu Muzycznego w Warszawie (2002) oraz Instytutu Muzykologii Uniwersytetu Warszawskiego. Umiejętności wokalne doskonaliła u najlepszych polskich śpiewaczek Haliny Mickiewiczówny, Zdzisławy Donat i Sylwii Geszty. Stypendystka Ministerstwa Kultury i Sztuki oraz Ministra Kultury Księstwa Luxemburg. Finalistka VIII Międzynarodowego Konkursu Koloraturowego im. Sylwii Geszty. Adiunkt na Wydziale Wokalno-Aktorskim UMFC. Jednocześnie współpracuje z uczelniami zagranicznymi – prowadziła wykłady i zajęcia wokalne w Rydze,Sewilli, Madrycie i na Uniwersytecie w Jaén. Autorka książki Dwanaście mazurków Chopina.
 

Kompozycje powstały dzięki dofinansowaniu Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego.


10 marca 2017 – Mgławice dźwięków

Podczas tego marcowego wieczoru spotkamy się z „Przemek Strączek Trio”, a muzyka tego zespołu oscyluje w świecie dźwięków określonych i nieokreślonych nadając niezwykłą szatę brzmieniową. Bogactwo „kolorów” instrumentów perkusyjnych w połączeniu z rytmicznym basem i z elektryfikowaną gitarą zabierze wszystkich w tajemniczą podróż w poszukiwaniu mgławic.

Przemysław Strączek – gitarzysta jazzowy, kompozytor, aranżer, pedagog, absolwent Akademii Muzycznej im. Karola Szymanowskiego, laureat Mistrzowskiego Konkursu Gitarzystów Jazzowych im. Marka Blizińskiego w Warszawie, finalista ogólnoświatowego konkursu solistycznego Thailand International Jazz Conference Solo Competition w Bangkoku.Od kilku lat obecny w rankingu najlepszych polskich gitarzystów według czytelników Jazz Forum – Jazz Top. W 2013 roku otrzymał Nagrodę Specjalną Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za osiągnięcia artystyczne. Uczestnik programu Kultura Polska na Świecie organizowanego przez Instytut Adama Mickiewicza oraz uczestnik programu Szkockiego Stowarzyszenia Jazzowego Bridge Music. Autor pięciu płyt "Earthly Room" 2007,"Light & Shadow" – 2010 oraz "Evans" 2012 nagraną z gitarzystą z Hong Kongu Teriverem Cheung i White Grain of Coffee – 2014, Three Continents – 2016. Otrzymał także Nagrodę Marszałka Województwa Śląskiego w dziedzinie muzyki za 2015 rok.

Michał Kapczuk – kontrabasista, gitarzysta basowy. Absolwent Wydziału Jazzu w ZPSM w Warszawie na ul. Bednarskiej oraz Akademi Muzycznej im. Karola Szymanowskiego w Katowicach. Współtworzy wiele projektów muzycznych o różnorodnych stylistykach (jazz, pop, rock). Kilkunastokrotnie zdobywał Grand Prix zespołowe na najważniejszych konkursach w Polsce i za granicą. Indywidualnie wyróżniony na festiwalach „Tarnów Jazz Contest 2008″, „Krokus Jazz Festiwal Jelenia Góra 2009″ i „Jazz Nad Odrą Wrocław 2010″, otrzymał stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego „Młoda Polska”. Koncertował na wielu prestiżowych festiwalach w Polsce oraz za granicą (Francja, Czechy, Ukraina, Litwa, Bułgaria, Turcja, Belgia, Holandia, Hiszpania, Niemcy, Kanada.

Tomas Celis Sanchez – instrumentalista perkusyjny urodzony w Meksyku. Absolwent Akademii Muzycznej w Meksyku w klasie kontrabasu. Niezwykle ceniony sideman, znany m.in. ze współpracy z Ewą Urygą, Krzysztofem Ścierańskim, Anną Marią Jopek, Justyną Steczkowską, Ewą Bem oraz zespołem Raz Dwa Trzy. Jest zapraszany do udziału w najważniejszych europejskich festiwalach jazzowych m.in. w Ingolstadt Jazz Tage, International Jazz & Blues Festival, Kikinda w Serbii.


10 lutego 2017 – Funky Space

„Funky Space” to nowy projekt gitarzysty Krzysztofa Wolińskiego z kategorii „One Man Guitar Show”. Usłyszymy autorskie kompozycje oparte na mocnym fundamencie jazzowym oraz gitarowe improwizacje – wszystko w klimacie z pogranicza muzyki funky, world music, latin i flamenco. Nie zabraknie też efektów wizualnych, a gitarowa wersja utworu Stinga „English Man In New York” wykonana w planetarium nabierze „kosmicznego” charakteru.

Krzysztof Woliński – debiutował w Duo Completorium w 1978 roku. Laureat głównej nagrody na Festiwalu Złota Tarka oraz stypendium Wild Bill Davisona. W 1982 roku, w rozszerzonym do kwartetu składzie, nagrał pierwszą płytę „Purpurowa Bossa”, a w 1984 na Jazz Hoeilaart w Belgii zdobył jedną z głównych nagród. Kolejny zespół, którego był założycielem, a zarazem nazwa  płyty, to „Just Ouartet”. Kompozytor muzyki do baletu „Anioły” (Polski Teatr Tańca)  i do kameralnego spektaklu „Be Careful” pokazywanego na festiwalu w Edynburgu. W latach dziewięćdziesiątych nagrał kilka znaczących płyt z czołowymi muzykami jazzowymi i koncertował na prestiżowych europejskich festiwalach jazzowych. Współpracuje zarówno z amerykańskimi, jak i europejskimi muzykami jazzowymi m.in. z Bobby Watsonem i Marlonem Simonem, Pierrem Blanchardem, Saskia Laroo. Prowadzi też zajęcia z gry na gitarze na międzynarodowych warsztatach jazzowych w kraju i w Europie.
 


13 stycznia 2017 – Here’s That Rainy Day

Kilkanaście standardów znanych z mistrzowskich interpretacji Elli Fitzgerald, Franka Sinatry czy Billy Holiday podczas koncertu jazzowego. Wykona je dla nas duet: Janusz Skowron – pianista, kompozytor i aranżer, legenda polskiego jazzu oraz Małgorzata Markiewicz – młoda, ale posiadająca już artystyczny dorobek wokalistka. Koncertowi towarzyszyć będą wizualizacje deszczu meteorów. Meteory to pyłki lub fragmenty skalne okrążające Słońce. Powstają w wyniku zderzania i rozpadu planetoid albo przelotu komety, pozostawiającej za sobą chmurę pyłu i drobnych odłamków.

Małgorzata Markiewicz – wokalistka, flecistka jazzowa. Ma na swoim koncie m.in. diamentową płytę za album Psałterz wrześniowy Piotra Rubika i Zbigniewa Książka, który promowała w duecie z Januszem Radkiem piosenką Psalm dla Ciebie, udział w prestiżowych koncertach w kraju i za granicą (Stany Zjednoczone, Niemcy, Francja, Włochy) oraz nagrody na największych polskich imprezach muzycznych, takich jak Krajowy Festiwal Piosenki Polskiej w Opolu czy Sopocie. Swoją karierę muzyczną zaczęła mając zaledwie 13 lat, wykonując piosenkę Violetty Villas List do matki w telewizyjnym programie Szansa na sukces. Zwyciężyła w finale tego programu i jako najmłodsza uczestniczka w historii wystąpiła w koncercie Debiutów Festiwalu Piosenki Polskiej w Opolu, gdzie zdobyła nagrodę radiowej Jedynki. Od tego momentu została podopieczną Polskiego Radia. Współpracowała z takimi artystami jak: Adam Sztaba, Andrzej Jagodziński, Henryk Miśkiewicz, Cezary Konrad, Grzech Piotrowski, Robert Majewski, Jerzy Małek, Zbigniew Górny.
Obecnie artystka pracuje nad autorską płytą.

Janusz Skowron – wybitny pianista jazzowy, kompozytor, aranżer. Karierę rozpoczął w 1980 roku występując z zespołem Kazimierza Jonkisza na Jazz Jamboree, a rok później został członkiem zespołu String Connection. Od roku 1985 współpracował z grupą Free Electronic Tomasza Stańki. Od 1990 roku koncertował i nagrywał ze Zbigniewem Namysłowskim, a następnie od 1997 roku z Walk Away Krzysztofa Zawadzkiego. Występował na scenach całego świata. Laureat wielu nagród artystycznych – m.in. nagrody Fundacji Kultury Polskiej im. Krzysztofa Komedy. Nieprzerwanie od 1982 coroczny laureat Jazz Top - ankiety czytelników pisma Jazz Forum. Współpracował również z Hanną Banaszak, Ewą Bem, Grażyną Łobaszewską, Anną Serafińską, Zbigniewem Jaremką, Maciejem Strzelczykiem, Zbigniewem Wegehauptem, a także z Erickiem Marienthalem, Billem Evansem, Randy Breckerem, Deanem Brownem, Davidem Gilmorem, Kenny Wheelerem.


9 grudnia 2016 – Harmonia sfer

Zespół HoTS, czyli Harmony of the Spheres, zaprezentuje kompozycje z płyt „Harmony Of The Spheres” i „Numbers” w nowych aranżacjach. Koncert w planetarium będzie dla zespołu wydarzeniem wyjątkowym, ponieważ teoria harmonii sfer dała inspirację liderowi zespołu do jego założenia. Z kolei uczestnicy koncertu przekonają się, jak muzyczna wyobraźnia współgra z obrazami Wszechświata.

HoTS – zespół powstał w 2011 roku, ale wciąż otwarty jest na nowe brzmienia – nowoczesne, nawiązujące do tradycji europejskiego jazzu, ale będące przede wszystkim wyrazem wyobraźni i wrażliwości muzyków. Grają autorskie kompozycje lidera zespołu, Mikołaja Poncyljusza. Skład zespołu to: trąbka, saksofon tenorowy, gitara, kontrabas i perkusja. W planetarium Niebo Kopernika wystąpią: Mikołaj Poncyljusz – gitara elektryczna, Adam Prokopowicz – kontrabas, Jakub Kinsner – perkusja. HoTS brał udział w festiwalu Fama, gdzie pod dyrekcją Włodka Pawlika tworzyli projekt pod nazwą „Laboratorium muzyki – We are from here”, z którym zagrali też na festiwalu „Wszystkie Strony Świata” w Puławach. Laureaci konkursu na „Młodą Scenę Jazzową”, którego nagrodą był występ na festiwalu Jazz Jantar. W styczniu 2016 roku wyruszyli w pierwszą zagraniczną trasę koncertową. Zwieńczeniem trasy był występ na „18-th Trutnov International Music Festival Jazziniec”. W sierpniu 2016 wystąpili na 12. Międzynarodowym Festiwalu Jazz W Ruinach.
www.hotsband.pl
https://www.youtube.com/watch?v=anOWRxyQC9o
https://www.youtube.com/watch?v=2jNqjZpzd9o

Mikołaj Poncyljusz – gitarzysta i lider warszawskiego zespołu HoTS. Absolwent Państwowej Szkoły Muzycznej im. F. Chopina w Warszawie na Wydziale Jazzu oraz absolwent Akademii Muzycznej im. Karola Szymanowskiego w Katowicach na wydziale jazzu i muzyki estradowej. Występuje też z Warszawską Orkiestrą Improwizatorów, Karoliną Piechotą oraz Orkiestrą Rozrywkową Politechniki Warszawskiej – The Engineers Band. Prowadzi „Otwartą Scenę Jazzową – Jam Session” w warszawski klubie 12/14. Współpracuje z Operą Na Zamku w Szczecinie przy spektaklu Jerzego Kornowicza „Historia Najmniej Prawdopodobna” oraz z Big Bandem Akwarium. 

Adam Prokopowicz – kontrabasista i basista. Absolwent Państwowej Szkoły Muzycznej im. F. Chopina w Warszawie na Wydziale Jazzu w klasie prof. Adama Cegielskiego. Gra w warszawskim jazzowym kwintecie HoTS oraz projekcie Boska Dekadencja. Współpracuje z Kapelą warszawska oraz twórcami zespołu Bitamina. 

Dawid Opaliński – perkusista. Pochodzi z Olsztyna, kształci się w Warszawie w szkole muzycznej im. Fryderyka Chopina „Bednarska” w klasie prof. Czesława Bartkowskiego oraz we Wrocławiu w Akademii Muzycznej im. Karola Lipńskiego pod okiem ad. dr Przemysława Jarosza. Gra w wielu zespołach jazzowych i bierze udział w licznych projektach muzycznych.


18 listopada 2016 – Improopera

Improopera to projekt tworzony przez dwoje artystów z pozornie różnych muzycznych światów. Aleksandra Opała jest śpiewaczką operową, natomiast Piotr Matusik to pianista jazzowy. Duet łączy w innowacyjny sposób te dwa światy, wykonując klasyczne pieśni kompozytorów takich jak Czajkowski, Gounod, Szymanowski czy Rossini. Muzycy wprowadzają zmiany harmoniczne i formalne, improwizują i tym samym dekonstruują dobrze znane utwory.

Program:
Piano solo:
Eternal July, Piotr Matusik
Children's Song 1-6 , Chick Corea
Duet:
Trawuszka, Piotr Czajkowski
Lecioły Zurazie, Karol Szymanowski
O Divine Redeemer, Charles Gounod
Canzonetta Spagnuola, Rossini

Aleksandra Opała – absolwentka Akademii Muzycznej w Krakowie. Ukończyła studia z wyróżnieniem w klasie śpiewu solowego u dr Marii Seremet. Finalistka konkursów w Polsce i za granicą. Brała udział w wielu kursach mistrzowskich. Kreowała postaci w operach Rossiniego, Haendla, Humperdincka, Mozarta, Kalmana.Współpracowała z Capellą Cracoviensis jako solistka Tilge höchster meine sünden J.S.Bacha. Wykonywała też Izraela w Egipcie G. F. Haendla w siedzibie NOSPRu. Brała udział w spektaklu Piosenki miłości i śmierci w oparciu o Walce miłosne i Requiem Niemieckie J. Brahmsa, w reżyserii Cezarego Tomaszewskiego. Specjalizuje się w tematyce Rossiniowskich koloratur mezzosopranowych.

Piotr Matusik – pianista i kompozytor. Absolwent wydziału jazzu Akademii Muzycznej w Katowicach w klasie fortepianu prof. dr hab. Wojciecha Niedzieli, z którym od października 2015 roku koncertuje w duecie fortepianowm. Odnajduje się w roli sidemana w akustyczno-jazzowym kwartecie skrzypka, Bartosza Dworaka, podobnie jak w roli lidera zespołu – Piotr Matusik Quartet, wykonując kompozycje Chicka Corei. Poza jazzem zajmuje się również muzyką alternatywną i elektroniczną.
 


14 października 2016 – Poza horyzontem

Jak połączyć klasyczne brzmienie wiolonczeli z elektroniką? Co kryje się za granicą horyzontu zdarzeń, po której przekroczeniu materia zostaje bezpowrotnie uwięziona? Jak wyrazić to, czego fizyka nie potrafi opisać? Przekonacie się w czasie koncertu Agaty Kurzyk, która dzięki technice zapętlania dźwięku i użyciu loopera zabierze nas w podróż poza horyzont zdarzeń. Inspiracją dla muzyki i wizualizacji będą multiwszechświaty, teoria strun i czarne dziury, a więc miejsca wciąż niezbadane i niedostępne dla człowieka.

Agata Kurzyk – wiolonczelistka i kompozytorka, popularyzatorka nauki poprzez sztukę, studentka Uniwersytetu Muzycznego w Warszawie oraz specjalista biologii komórki w Zakładzie Medycyny Regeneracyjnej. Czynnie koncertuje w kraju i za granicą. W czasie swoich występów wykorzystuje looper. Mistrzyni wschodniej Europy (Budapeszt 2012) i finalistka światowych mistrzostw w loopowaniu BOSS Loop Station World Championship 3 (Anaheim/LA/USA 2013). Stypendystka Urzędu Miasta Stołecznego Warszawy, gość specjalny na Stoff Fringe Festival (Sztokholm, 2013), laureatka Nagrody Stoff dla najlepszej artystki Festiwalu Sopot Fringe Festiwal (2012).

www.agatakurzyk.com/pl/


19 sierpnia 2016 – Planetango

Czy planety poruszają się w rytm tanga? Czy w dramatyczny i głęboko emocjonalny sposób oddziałują na siebie? Tych, którzy nie wierzą, że ten wyjątkowy, południowo-amerykański taniec porusza nawet ciała niebieskie, zapraszamy na „Planetango”. Wybitni muzycy, saksofonista Paweł Gusnar i akordeonista Rafał Grząka, wykonają kompozycje Mistrzów Tanga, takich jak Astor Piazzola, Richard Galliano i Pedro Iturralde, a towarzyszyć im będą – jak zawsze niewidoczni – mistrzowie wizualizacji, którzy sprawią, że nawet odległe o tysiące lat świetlnych gwiazdy poddadzą się rytmowi tańca. 

Paweł Gusnar — saksofonista, kameralista, pedagog, profesor Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina oraz adiunkt w Akademii Muzycznej im. Kiejstuta i Grażyny Bacewiczów w Łodzi. Artysta wszechstronny, otwarty na różne style i formy ekspresji – na równie wysokim poziomie wykonuje muzykę klasyczną, jazzową i rozrywkową. Koncertuje na estradach prestiżowych sal koncertowych – filharmonicznych i kameralnych, w Polsce i za granicą. Współpracuje z wieloma orkiestrami symfonicznymi, m.in. z Filharmonią Narodową, Sinfonią Varsovią czy Polską Orkiestrą Radiową oraz z zespołami jazzowymi i rozrywkowymi, m.in. Adama Sztaby, Kukla Band Zygmunta Kukli, Tomasza Szymusia, Krzysztofa Herdzina. Koncertuje i nagrywa również jako muzyk sesyjny m.in. dla TVP, TVN, Polsat. W dorobku posiada blisko 50 płyt CD, w tym pięć solowych. Za Saxophone Varie oraz za najnowszy album Verbum Incarnatum został nagrodzony Fryderykiem. Nominowany był do tej nagrody również w kategorii Artysta Roku, a także dwukrotnie do tytułu Koryfeusza Muzyki Polskiej (2014, 2015). Ponadto Paweł Gusnar zasiada w jury konkursów i prowadzi kursy mistrzowskie w najlepszych ośrodkach muzycznych świata – od Odessy, przez Wiedeń, Hanower, Zurych, po Strasburg i Paryż. Paweł Gusnar jest artystą firmy Yamaha, BG Franck Bichon oraz D’Addario. 

Rafał Grząka — akordeonista, bandoneonista, absolwent Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w klasie akordeonu Klaudiusza Barana i Policealnego Studium Jazzu im. Henryka Majewskiego w Warszawie w klasie Andrzeja Jagodzińskiego. Ukończył Studia Doktoranckie w macierzystej uczelni, obecnie Asystent w klasie akordeonu. Jest laureatem ponad 35 międzynarodowych i ogólnopolskich konkursów akordeonowych. Jako członek zespołu KlezmaFour otrzymał prestiżową nagrodę „City Winery of New York” podczas International Jewish Music Festival w Amsterdamie (2010). Występował z Orkiestrą Filharmonii Narodowej, Orkiestrą Symfoniczną Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina, Gliwicką Orkiestrą Kameralną, Orkiestrą Symfoniczną Akademii Muzycznej w Gdańsku, Suwalską Orkiestrą Kameralną, pod batutą takich dyrygentów, jak Lucas Vis, Maja Metelska, Kazimierz Dąbrowski, Janusz Przybylski, Andrzej Rosół, Krzysztof Urbański, Wojciech Rajski. Koncertował w USA, Kanadzie, Francji, Hiszpanii, Wielkiej Brytanii, Holandii, Włoszech, Niemczech, Austrii, Czechach, Słowacji, Ukrainie, Białorusi, Rosji, Litwie, Łotwie, Turcji, Arabii Saudyjskiej, Bułgarii. Jako wykładowca prowadził zajęcia na Międzynarodowym Kursie Interpretacji Muzycznej w Miętnem.